¿Quién es un director de orquesta para niños? Interesante profesión - conductor

La gente corriente, alejada de la música clásica, no siempre entiende qué hace exactamente este hombre con esmoquin, agitando las manos delante de los músicos que intentan tocar lo mejor que pueden. Sin embargo, ningún concierto orquestal está completo sin este participante. ¿Qué hace un director de orquesta, cuál es su función y por qué los oyentes están más dispuestos a comprar entradas si es famoso?

Desde la Antigua Grecia hasta nuestros días

Mucho antes que Toscanini, Furtwängler, von Karajan y Bernstein, sus trabajos ya los llevó a cabo Ferécides de Patras, conocido en Antigua Grecia como "marcapasos". De acuerdo a fuentes historicas, ya en el año 709 a.C. controlaba a un grupo de ochocientos músicos con un bastón de oro, subiéndolo y bajándolo y asegurándose de que los músicos "empezaran al mismo tiempo" y "todos pudieran permanecer juntos".

Las funciones de un director de orquesta han cambiado en los últimos mil años, pero la profesión todavía está envuelta en un cierto halo místico. De hecho, es sorprendente la capacidad de una persona que sostiene en su mano sólo palo de madera, garantizan el sonido coherente de, a veces, cientos de instrumentos.

¿Cómo es posible que los sonidos que surgen como resultado de esta misteriosa danza en el panel de control causen a veces un deleite sublime, cautivando a los oyentes que luego no pueden olvidar los sentimientos que los invadieron por el resto de sus vidas?

Éste es el gran misterio del arte y, gracias a Dios, es imposible desentrañarlo por completo.

En analogías más realistas, un director de orquesta es el equivalente musical del director de un equipo deportivo. Nunca es posible evaluar exactamente lo que está haciendo, pero siempre queda claro qué resultado está logrando. En principio, una orquesta puede prescindir de un director, pero en la mayoría de los casos prefiere tocar bajo su dirección. Entonces, ¿qué hace exactamente? Estas son algunas de las muchas cosas que hace un director, consciente o inconscientemente, en el podio.

Hombre metrónomo

“El deber de un director de orquesta reside en su capacidad de indicar siempre el tempo correcto”, afirmó Richard Wagner, quien domina perfectamente esta profesión y también fue un gran compositor. Normalmente, la mano derecha (con o sin batuta) se utiliza para controlar la orquesta, pero otros componentes también influyen en la impecable interpretación. El director no puede ser reemplazado por un metrónomo (como se ilustra bellamente en la película alegórica Orchestra Rehearsal de Fellini), sus acciones significan mucho más.

Interpretación

El trabajo del director es darle vida a la partitura. Para ello, utiliza su propia comprensión de la obra como herramienta y la expresa a través de una lengua de signos individual. Él, por así decirlo, "esculpe" la línea musical, enfatiza los matices y elementos musicales individuales, controla a los músicos y, de hecho, crea muchas cosas nuevas. Estos procesos suelen expresarse con la mano izquierda. Si bien todos los directores tienen algunos gestos en común, la mayoría de los más grandes tienen los suyos propios. estilo único. Por ejemplo, Furtwängler en algunos momentos hacía espontáneamente movimientos bastante extraños. Valery Gergiev movía los dedos, expresando el carácter de la música; él mismo explicaba esta manera por el hecho de que era pianista.

Habilidades de escuchar

“Los mejores directores son los mejores oyentes”, dice Tom Service, periodista y autor del fascinante libro “La música como alquimia: viajes con grandes directores y sus orquestas”. Ellos, como un pararrayos, asumen la carga emocional de la obra y centran la atención en sus aspectos más fuertes. Es importante que un director comprenda la música más profundamente. la gente común y luego expresa tu propia hiperconciencia poniéndola a disposición del público.

Dictadura

"Debes imponer tu voluntad, no por la fuerza, ¡pero debes poder convencer a la gente de la exactitud de tu punto de vista!" - dijo Pierre Boulez, el legendario compositor y director de orquesta. Aunque hoy en día la mayoría de los directores de orquesta se consideran demócratas, esto simplemente no puede ser cierto. Esto no significa que no se pueda evitar la dictadura, pero no es fácil. Boulez pone el ejemplo de la Orquesta Filarmónica de Berlín, denominándola un grupo de individuos: “Si el director no les da una dirección colectiva, se quedarán privados del timón y de las velas”.

conductor-conductor

En muchos idiomas, la palabra "director" suena como "director". Bueno, hay algo en común, porque cada oyente percibe la música con su oído, y mira lo que hace el director, y a través de esta imagen visual hay una conexión visual, una especie de puente entre nuestros ojos y las sensaciones melódicas. A veces es simplemente imposible apartar la vista del control remoto; la vista es fascinante.

“Dirigir es mucho más difícil que tocar un solo instrumento. Hay que conocer la cultura, calcularlo todo y proyectar lo que se quiere escuchar”, afirma Boulez.

¿Qué además de la música?

Los directores necesitan instinto musical, intuición y musicalidad innata, pero más allá de eso necesitan saber mucho. Por lo general, pasan muchas horas preparándose antes de sentarse frente a la consola. Suele ser de naturaleza académica y abarca el estudio de documentos históricos como cartas, especificaciones instrumentos de una determinada época o momentos biográficos de los autores. Como todos los grandes misterios, la buena música sólo surge de cantidad inmensa trabajo duro.

Mucha gente no entiende por qué una orquesta necesita un director si todos los músicos tienen partituras.

¿Cuándo tuvo la orquesta un director?

Las comunidades de músicos que tocan tal o cual música se conocen desde la antigüedad y, por supuesto, estos conjuntos a menudo tenían sus propios líderes formales o informales.

En los bajorrelieves egipcios hay imágenes de un hombre con un bastón en la mano, que dirige a los músicos, y en la antigua Grecia, los líderes del coro (luminarias) marcaban el ritmo con una sandalia especial con tacón de hierro.

Y cuanto más grandes se hacían las orquestas (en la Edad Media y el Renacimiento se las llamaba capillas, la palabra “orquesta” se difundió más tarde), más compleja era la práctica de la interpretación orquestal, más necesaria resultaba la figura de un controlador de tráfico. - una persona que marca el ritmo y se asegura de que todos jueguen coordinadamente y lleguen a tiempo. Anteriormente, esto se hacía con un enorme bastón llamado "battuta", que se golpeaba en el suelo; las primeras imágenes de este proceso se remontan al siglo XV.

Se trataba de un asunto bastante difícil y no siempre seguro: el gran compositor francés Jean-Baptiste Lully (1632-1687) se lastimó la pierna con la punta de un bastón y murió de gangrena.

Los compositores que interpretaban su propia música en las capillas eran a menudo los primeros directores. Podían marcar un ritmo con los pies o agitar una partitura como Bach. A menudo, esta función la realizaban clavecinistas o primeros violinistas, que daban señales balanceando el arco.

Sucedió que había varios directores: en la ópera, el director del coro podía controlar a los cantantes y el acompañante podía controlar la orquesta. Es importante que casi siempre el director fuera también músico: cantaba o tocaba.

Los acompañantes tocaban la primera parte del violín y hacían señales a los demás músicos con los ojos y movimientos de cabeza o, interrumpiendo el juego, marcaban el ritmo con un arco.

¿Cómo consiguieron el bastón en sus manos?

Cuestión de azar. En esencia, el palo reemplazaba al ya familiar arco o pergamino musical.

Los directores comenzaron a utilizar la batuta en principios del XIX siglos y, a juzgar por las descripciones, estos palos al principio pesaban bastante. Fue el siglo XIX el que se convirtió en el siglo del nacimiento de los directores de orquesta como profesión independiente: finalmente se separaron de las orquestas, se dedicaron exclusivamente a la dirección, se ubicaron en elevaciones especiales y, lo que era especialmente inusual, dieron la espalda al público.

El primero en hacerlo fue Héctor Berlioz o Richard Wagner; no se sabe con certeza quién tomó la iniciativa. Para la increíblemente ampliada y complicada orquesta sinfónica del siglo XIX, cuyo número de participantes podía ascender a cientos, era de vital importancia un regulador humano especial: ya no tenía la oportunidad de tocar algo en paralelo con la dirección.

La figura del director, por supuesto, también fue producto de la tradición romántica: solo en ella podría existir orgánicamente sobre la multitud la silueta negra de un genio solitario, que con un movimiento de su mano controla la increíble masa de sonido y emociones de los oyentes.

Es decir, ¿se necesita un director principalmente para marcar el ritmo correcto?

Como mínimo, es realmente importante establecer un ritmo y señalar quién interviene y en qué momento.

Los propios músicos, por supuesto, pueden seguir lo que sucede a partir de las notas, contar los compases y escuchar a sus colegas, pero esto no siempre es fácil, y en una gran orquesta sinfónica los músicos simplemente no pueden escuchar todas las partes. Sin embargo, las tareas del director, por supuesto, no se limitan a esto: él es responsable de todos los parámetros de la interpretación, de garantizar que todo esté unido por un único tempo y estado de ánimo.

Y en cuanto a la interpretación, después de todo, la misma composición se puede tocar de formas completamente diferentes. A diferentes velocidades, colocando diferentes acentos, interpretando de manera diferente los estados de ánimo de las unidades, prestando diferente atención a las partes.

Esto es lo que hace el director durante los ensayos, analizando, a veces muy minuciosamente, las partituras con los músicos hasta quedar satisfecho con el sonido y el significado general de la composición.

Esto es especialmente importante cuando se interrumpe la tradición interpretativa: obras de muchos grandes compositores de los siglos XVII y XVIII. por mucho tiempo no se interpretaron y sólo podemos adivinar cómo sonaron durante su vida.

Si un compositor moderno puede repasar toda la partitura con el director, explicándole exactamente cómo debe interpretarse su composición (aunque también en este caso el director tiene derecho a voto y libre albedrío) y, digamos, en Viena todavía hay músicos vivos que Después de estudiar con personas que tocaron los valses de Johannes Strauss bajo la dirección del propio Strauss, no hay una respuesta clara a la pregunta "Cómo tocar correctamente las obras de Bach, Vivaldi o Lully".

Las notas de esa época son extremadamente escasas en sus explicaciones, y muchos detalles no indicados en las notas, pero obvios para los músicos de esa época, pueden perderse para siempre. En este caso, es imposible simplemente "tocar las notas": el problema de descifrar una partitura barroca es similar a una compleja historia de detectives musicológicos.

Basta leer cualquier libro para convencerse de esto; de hecho, dice que es necesario estudiar todas las fuentes conocidas de esa época y luego, teniendo en cuenta e ignorando simultáneamente lo que está escrito en las notas, tratar de comprender. no la letra, sino el espíritu del trabajo.

“Sólo aquel que encuentre la intención del compositor en las notas y las toque de acuerdo con ella será fiel a la obra en el verdadero sentido de la palabra. Si un compositor escribe una nota completa, es decir, una semicorchea, entonces el que toca la semicorchea, y no el que toca la nota completa, permanecerá fiel no a las notas, sino a la obra”.

Escribe Harnoncourt.

Es decir, ¿el sonido de una misma composición depende de quién la dirige?

Exactamente. Dos directores diferentes pueden interpretar la misma sinfonía de manera muy similar (aunque nunca de manera idéntica), o pueden interpretarla de manera completamente diferente.

Aquí tenéis un vídeo muy elocuente del proyecto Arzamas: qué pasa con el famoso “Ta-ta-ta-ta” de Beethoven en manos de los principales directores de orquesta del mundo.

Otro ejemplo: la misma obra de Bach, dirigida por Karl Richter:

Y Nicolás Harnoncourt:

¿Son siempre los directores de orquesta terribles tiranos?

No es necesario. Pero este trabajo no es fácil y responsable, y no se puede hacer sin cierta presión y determinación, y en la relación entre el director y la orquesta no es difícil ver una metáfora de la relación entre el gobernante y la multitud (Fellini “ Ensayo de orquesta” se basa casi en su totalidad en él).

En el siglo XX, muchos directores no escaparon a la tentación de gestionar sus orquestas apoyándose en la dictadura, la presión y una atmósfera de miedo. Los grandes directores de orquesta del siglo (Herbert von Karajan, Wilhelm Furtwängler, Arturo Toscanini) fueron personas con quienes los músicos recuerdan haber trabajado con horror sagrado.

33.8

¡Para amigos!

Referencia

La palabra "conductor" se traduce de Francés cómo “liderar, gestionar”. Esta profesión existía en el Antiguo Egipto. Prueba de ello son los bajorrelieves que decoraban diversas estructuras arquitectónicas de la época. El director fue representado como un hombre con una batuta en la mano, de pie frente a un grupo de músicos.

La antigua cultura griega tampoco se salvó este tipo actividad humana. Aquí había una luminaria que dirigía el coro, marcando el compás con el pie. Más tarde comenzaron a marcar el ritmo con la ayuda de una battuta, un palo especial. En el siglo XVII fue sustituido por el arco de violín. Actualmente, los directores controlan una orquesta, un coro y un conjunto con la ayuda de la batuta y las manos del director.

descripcion de actividad

El director es un representante de la más difícil de todas las profesiones musicales. Durante su trabajo, es responsable de la calidad del desempeño de todo el equipo. Es un conocedor no sólo de las obras musicales, sino también de las habilidades de cada uno de los músicos o coristas con quienes trabaja. Este especialista selecciona obras y distribuye lotes, centrándose en las capacidades de sus clientes. La profesionalidad de un director también está determinada por la capacidad de dar expresividad a la obra y, quizás, un sonido inusual.

Salario

promedio para Rusia:Promedio de Moscú:promedio de San Petersburgo:

Responsabilidades laborales

El director organiza representaciones de forma independiente, elabora un plan de ensayo, un programa de conciertos y un calendario de representaciones. Selecciona una formación de músicos o coristas, trabaja con ellos para mejorar sus habilidades profesionales y ayuda a los recién llegados al equipo a involucrarse en el proceso de trabajo. Durante la actuación, un representante de esta profesión realiza su tarea principal: controlar al equipo musical mediante ciertos gestos. Debe conocer plenamente la secuencia de las partes y su distribución entre los intérpretes.

Características del crecimiento profesional.

La profesión de director de orquesta difícilmente puede tener demanda en el mercado laboral. Para aquellos que realmente quieran trabajar en esta especialidad, lo mejor es encontrar trabajo mientras aún estudian en el conservatorio. Esto le ayudará a adquirir experiencia profesional y, por tanto, a aumentar su importancia ante los ojos de futuros empleadores. La escala profesional de un director de orquesta se forma a partir de rangos. Entonces, talento, profesionalismo y al menos 10 años de trabajo en el perfil lo ayudarán a ascender de la categoría 9 a la 13.

Has venido a la ópera. La actuación aún no ha comenzado, pero los músicos ya se han reunido en el foso de la orquesta, así se llama la sala situada debajo, delante del escenario. Afinan sus instrumentos y el ruido es inimaginable. Parece que este caos de sonidos no puede producir un sonido armonioso, consistente y hermoso. Pero también habrá cantantes solistas y un coro... Para gestionar este gran grupo musical, hay un director (director francés - gestionar, dirigir, dirigir).
no sólo se asegura de que todos toquen en sintonía. Piensa detenidamente en la intención del compositor: la naturaleza del sonido de la música. Aprende la pieza con los intérpretes, indica cuándo debe entrar tal o cual instrumento, si debe tocar rápido o lentamente, en voz alta o en voz baja. necesaria en la ópera y la orquesta sinfónica, en el coro y en el conjunto de canto y danza, allí donde la música es interpretada por un grupo grande. El coro está dirigido por un director coral - director de coro. Érase una vez, hace mucho tiempo, un conjunto de intérpretes estaba dirigido por un músico que tocaba el clavecín o el órgano. Interpretó su parte y al mismo tiempo determinó el tempo y enfatizó el ritmo. Luego, el instrumento de teclado dejó de participar en la interpretación de obras orquestales y el liderazgo pasó al primer violinista. Y ahora en algunos lugares se puede ver que un pequeño conjunto instrumental está dirigido por un violinista. Pero la composición de la orquesta creció cada vez más con el tiempo, y pronto se volvió demasiado para el violinista. jugar solo, dirigiendo un equipo tan grande. A principios del siglo XIX surgió el concepto de director de orquesta, cercano al nuestro. Es cierto que en ese momento el director todavía estaba de cara al público, ya que se consideraba indecente darle la espalda. Por lo tanto, tuve que estar de espaldas a la orquesta y dirigir sin ver a los miembros de la orquesta.
Los primeros en abandonar esta posición incómoda tanto para la orquesta como para el director fueron los compositores alemanes Felix Mendelssohn y Richard Wagner. A principios del siglo XIX, los compositores y directores Carl Maria Weber, Ludwig Spohr y otros utilizaron por primera vez una pequeña batuta de madera para dirigir. Lo hicieron de forma completamente independiente unos de otros. Nueva manera Me gustaba tanto dirigir que la batuta se convirtió en el fiel asistente del director. Dicen que cuando el maravilloso compositor ruso Alexander Konstantinovich Glazunov llegó a Inglaterra, donde se suponía que debía dirigir, entonces, sin saberlo en Inglés, solo aprendió una frase. Con ello, se dirigió a la orquesta: “Señores, les pido que toquen lo que dibujo con la punta de mi bastón”.
Ahora algunos directores están abandonando la batuta. - esta es el alma de la orquesta. Así como, por ejemplo, diferentes pianistas, al interpretar la misma pieza, la tocan de manera diferente, un director puede enfatizar en una obra temas clásicamente claros o románticamente excitados, puede resaltar algunas características y suavizar u oscurecer otras. Por tanto, el director debe ser un músico bien formado: conocer la historia de la música, la historia de otras artes, tener una comprensión impecable del estilo de la obra y dominar la época en la que fue creada. debe tener una audición excelente, dominar algo (o mejor aún, algo) instrumento musical. En el siglo XX, directores como Leopold Stokowski, Arturo Toscanini, Willy Ferrero y Herbert von Karajan eran mundialmente famosos. Los directores soviéticos destacados fueron Nikolai Semenovich Golovanov y Samuil Abramovich Samosud. El arte de dirección soviético fue glorificado por el Héroe del Trabajo Socialista, el Artista del Pueblo de la URSS Evgeny Aleksandrovich Mravinsky, y en las generaciones posteriores por los Artistas del Pueblo de la URSS Gennady Rozhdestvensky y Evgeny Svetlanov.

Ver valor Conductor en otros diccionarios

Conductor- director, m. 1. persona que dirige una orquesta, director de banda (músico). Una orquesta sin director. 2. Un empleado que supervisa el movimiento de los papeles de oficina, el progreso del trabajo de oficina...
Diccionario explicativo de Ushakov

Director m.— 1. El que dirige una orquesta o coro, dando su interpretación pieza musical. 2. anticuado Director de danza en el baile.
Diccionario explicativo de Efremova

Conductor- -A; [del francés. diriger - gestionar] Persona que dirige una actuación de orquesta, coro, ópera o ballet. D. orquesta. Famoso d. Tocar bajo la dirección de un director.
◁ Director de orquesta,.......
Diccionario explicativo de Kuznetsov

Era común controlar el coro mediante la llamada quironomía (del griego antiguo. χείρ - mano y νόμος - ley, regla), que luego pasó a la práctica de la actuación de la iglesia en la Europa medieval; este tipo de dirección implicaba un sistema de movimientos condicionados de las manos y los dedos, con la ayuda de los cuales el director indicaba a los cantantes el tempo, la métrica, el ritmo, reproducía los contornos de la melodía: su movimiento hacia arriba o hacia abajo, etc.

La battuta era originalmente un bastón bastante macizo; el director de la orquesta marcó el ritmo, golpeándolo contra el suelo; tal dirección era ruidosa e insegura: J. B. Lully, mientras dirigía con la punta de un bastón, se infligió una herida que resultó fatal. Sin embargo, ya en el siglo XVII existían métodos de dirección menos ruidosos; Así, en un conjunto, la interpretación podía estar dirigida por uno de sus miembros, normalmente un violinista, que contaba el tiempo golpeando el arco o asintiendo con la cabeza.

Con la llegada del sistema de bajo general en el siglo XVII, las funciones del director pasaron al músico que interpretaba la parte de bajo general en el clavecín u órgano; determinaba el tempo mediante una serie de acordes, pero también podía dar instrucciones con la vista, movimientos de cabeza, gestos o incluso, como por ejemplo J. S. Bach, tarareando una melodía o marcando el ritmo con el pie. En el siglo XVIII, el bajo general contaba cada vez más con la ayuda del primer violinista, el acompañante, que marcaba el tono con su violín y, al dejar de tocar, podía utilizar el arco como trampolín. En el siglo XVIII, la práctica de la doble y triple dirección se extendió al interpretar obras vocales e instrumentales complejas: por ejemplo, en la ópera, el clavecinista controlaba a los cantantes y el acompañante controlaba la orquesta; el tercer líder podría ser el primer violonchelista, que tocaba la voz de bajo en recitativos de ópera, o el director del coro; en algunos casos el número de conductores podía llegar hasta cinco.

A medida que desapareció el sistema general de bajo (en la segunda mitad del siglo XVIII), aumentó la importancia del violinista-acompañante; y en el siglo XIX, este método de dirección se conservó en la interpretación de obras sencillas, en particular en orquestas de baile y de jardín; Hoy en día se utiliza a menudo en la interpretación de música antigua.

Siglo XIX en la historia de la dirección.

A lo largo de los siglos, los compositores regla general interpretaban sus propias obras: componer música era responsabilidad del director de la banda, del cantor y en otros casos del organista; La paulatina transformación de la dirección en profesión se inició en las últimas décadas del siglo XVIII, cuando aparecieron compositores que interpretaban habitualmente obras de otras personas. Así, en Viena, desde 1771, en los conciertos públicos benéficos de la Sociedad Musical, dirigidos primero por Florian Leopold Gassmann y luego durante muchos años por Antonio Salieri, a menudo se interpretaban obras de compositores fallecidos o contemporáneos que, por una razón o otro no pudo participar personalmente en los conciertos. La práctica de representar obras ajenas en la segunda mitad del siglo XVIII también se extendió a los teatros de ópera: las óperas extranjeras fueron dirigidas a menudo por K. V. Gluck, Giovanni Paisiello y Josef Mysliveček, quienes promovieron, en particular, la obra de K. V. Gluck.

Si en el siglo XVIII los compositores y directores actuaban principalmente con sus orquestas (capillas), la única excepción era compositores de ópera quienes pusieron en escena e interpretaron sus obras en diferentes ciudades y países, luego, en el siglo XIX, aparecieron en el escenario de conciertos artistas invitados, interpretando obras propias y ajenas, dirigiendo orquestas ajenas, como Héctor Berlioz y Felix Mendelssohn, y más tarde R. Wagner.

No está claro quién fue el primero, sin tener en cuenta la decencia, en dar la espalda al público, de cara a la orquesta, si G. Berlioz o R. Wagner, pero en el arte de la dirección orquestal fue un giro histórico que aseguró la plena Contacto creativo entre el director y los artistas de la orquesta. Poco a poco, la dirección se convirtió en una profesión independiente, no relacionada con la composición: gestionar una orquesta en crecimiento e interpretar composiciones cada vez más complejas requería habilidades y talentos especiales, que también diferían del talento de un músico instrumental. "La dirección", escribió Felix Weingartner, "requiere no sólo la capacidad de comprender y sentir plenamente una creación artística musical, sino también un juego de manos técnico especial, que es difícil de describir y difícilmente se puede aprender... Esta habilidad específica es a menudo no tiene nada que ver con el talento musical en general. Sucede que algún genio se ve privado de esta capacidad y un músico mediocre está dotado de ella”. Entre los primeros directores profesionales que lograron reconocimiento internacional se encuentran Hans von Bülow y Hermann Levy; Bülow se convirtió en el primer director de la historia en realizar una gira con orquestas, incluida la Filarmónica de Berlín.

Dirigiendo arte en Rusia

Hasta el siglo XVIII, la dirección en Rusia se asociaba principalmente con la interpretación coral y, en primer lugar, con la música religiosa. Para los líderes de los coros de las iglesias, los regentes, se desarrollaron ciertas técnicas de dirección, que se analizan, en particular, en la "Gramática musical" de N. P. Diletsky, que data de la segunda mitad del siglo XVII.

Los primeros directores de orquesta fueron músicos siervos que dirigían capillas privadas; Así, el más famoso de ellos, Stepan Degtyarev, dirigió la orquesta de Sheremetev. A lo largo de los siglos XVIII y XIX en Rusia, como en Europa Oriental, la dirección, por regla general, se asociaba con el trabajo de los compositores: los directores famosos en su época fueron Ivan Khandoshkin y Vasily Pashkevich, en el siglo XIX, Mily Balakirev y Anton Rubinstein.

El primer director profesional (que no fue compositor) puede considerarse Nikolai Rubinstein, quien desde principios de los años 60 del siglo XIX fue director permanente de conciertos sinfónicos en Moscú, realizó giras como director por San Petersburgo y otras ciudades, y fue el primer intérprete en Rusia de muchas obras de compositores rusos (principalmente P.I. Tchaikovsky) y extranjeros. Pero si Rubinstein era conocido en el extranjero principalmente como un pianista destacado, Vasily Safonov se convirtió en el primer músico ruso en recibir reconocimiento internacional, ya a principios del siglo XX, precisamente como director de orquesta.

Director de orquesta en el siglo XX

"Cinco Grandes": Bruno Walter, Arturo Toscanini, Erich Kleiber, Otto Klemperer, Wilhelm Furtwängler

El prestigio de la profesión de director de orquesta creció especialmente a principios del siglo XX; la admiración generalizada por el hombre detrás de la consola le dio a Theodor Adorno la oportunidad de escribir: "... la autoridad social de los directores en la mayoría de los casos excede con creces la contribución real de la mayoría de ellos a la interpretación musical". Las mismas consideraciones en los años 20 dieron lugar a intentos de crear orquestas sin director, y la primera orquesta de este tipo, Persimfans, se creó en Moscú en 1922. Sin embargo, la idea no se justificó: tanto el propio Persimfans como otras orquestas creadas según su modelo resultaron de corta duración.

desde el segundo mitad del siglo XIX siglo, la escuela de dirección germano-austriaca dominó en Europa, lo que se debió en gran parte al predominio de la música sinfónica germano-austriaca en el repertorio de conciertos; a principios de siglo estuvo representado principalmente por los llamados “cinco post-Wagner”: Hans Richter, Felix Mötl, Gustav Mahler, Arthur Nikisch, Felix Weingartner y, más tarde, por los directores de orquesta de la siguiente generación: Bruno Walter, Otto Klemperer, Wilhelm Furtwängler, Erich Kleiber y el director holandés de la escuela alemana Willem Mengelberg. Formada en la era del romanticismo, esta escuela hasta mediados del siglo XX conservó ciertas características inherentes al movimiento romántico en la interpretación musical.

Sintiéndose cocreador de la obra interpretada, el director romántico a veces no se detenía antes de realizar ciertos cambios en la partitura, principalmente en lo que respecta a la instrumentación (algunas correcciones hechas por los románticos a las últimas obras de L. van Beethoven todavía son aceptadas por directores), sobre todo porque no veía mucho pecado en desviarse, a su discreción, de los tempos indicados en la partitura, etc. Esto se consideró justificado, ya que no todos los grandes compositores del pasado dominaban la orquestación y se suponía que Beethoven era sordo y no podía imaginar claramente combinaciones de sonidos. Muy a menudo, los propios compositores, después de la primera escucha, hacían correcciones en la orquestación de sus obras, pero no todos tuvieron la oportunidad de escucharlas.

Las libertades que Wagner y luego Hans von Bülow se tomaron con sus partituras fueron a menudo condenadas por sus contemporáneos. Así, Felix Weingartner dedicó una parte importante de su libro “Sobre la dirección” a una polémica con Bülow. Las intrusiones de los directores en las partituras se convirtieron gradualmente en cosa del pasado (en la primera mitad del siglo XX, fueron principalmente Willem Mengelberg y Leopold Stokowski quienes fueron criticados por tales intrusiones), pero durante mucho tiempo persistió el deseo de adaptar las obras. de compositores desaparecidos hace mucho tiempo a la percepción del público moderno: “romantizar” las obras de la era prerromántica, interpretar la música del siglo XVIII con la dotación completa de una orquesta sinfónica del siglo XX... Todo esto a principios del siglo XX provocó una reacción “antiromántica” en los círculos musicales y casi musicales). Un fenómeno significativo en la interpretación musical de la segunda mitad del siglo XX fue el movimiento "autentista". El mérito indiscutible de esta dirección, representada por Gustav Leonhardt, Nikolaus Harnoncourt y varios otros músicos, es el desarrollo rasgos estilísticos música de los siglos XVI-XVIII: aquellas características que los directores románticos estaban más o menos inclinados a descuidar.

Vídeo sobre el tema.

Modernidad

Dado que no todos los logros de los "autentistas" son indiscutibles, la mayoría de los directores modernos, cuando recurren a la música del siglo XVIII (los no autentistas rara vez interpretan obras de épocas más lejanas), buscan sus media dorada entre el romanticismo y el "autenticismo", a menudo imitando los métodos de dirección de la época: controlan la orquesta sentados al piano o con un violín en la mano.

Actualmente, muchos directores de orquesta se niegan a utilizar la batuta, en general o en partes lentas de la obra; Vasily Safonov (principios de los años 20) y Leopold Stokowski dirigieron sin batuta en la primera mitad del siglo XX. Leo Ginzburg señaló que en la literatura científica a lo largo de los años se ha prestado cada vez menos atención a la técnica manual: es muy individual y en la práctica a menudo refuta cualquier teoría. Aquí solo podemos esbozar contornos generales: el golpe más fuerte (primer) de la barra se indica mediante el movimiento de la mano derecha hacia abajo, el más débil (último), mediante el movimiento de la mano derecha hacia arriba, el resto (si los hay) son distribuidos entre ellos, formando los llamados cuadrícula métrica. Además de esta determinación del tempo y el ritmo, con movimientos adicionales de las manos, la cabeza, todo el cuerpo, así como las expresiones faciales, el director indica la naturaleza de la interpretación musical tanto para el conjunto en su conjunto como para sus grupos individuales y Participantes. Hubo un tiempo en que Richard Wagner provocó la indignación del público porque dirigía obras sinfónicas de memoria; En el siglo XX, las actuaciones en conciertos sin partitura en la consola, e incluso sin consola, se convirtieron en la norma: "Un buen director", dijo Hans von Bülow, "mantiene la partitura en su cabeza, y un mal director mantiene su cabeza en silencio". el marcador." Si un director de orquesta no puede separarse de la partitura, escribió F. Weingartner, no es más que un batidor y no tiene derecho a reclamar el título de artista. Para Wagner y Bülow y sus numerosos seguidores, el contacto visual con la orquesta era importante; Por otro lado, Weingartner recordó una vez que el público "debe escuchar la música y no sorprenderse por la buena memoria del director", y a menudo se puede observar cómo el director da vuelta la partitura, casi sin mirarla, sin tomar sus ojos apartados de la orquesta; muchos, en cualquier caso, consideraban y siguen considerando que la dirección demostrativa de memoria está en mala forma.

El ámbito de aplicación del arte de dirección ya se amplió significativamente en el siglo XX: al escenario de conciertos y al teatro musical se sumaron el cine, la radio, la televisión y un estudio de grabación. Al mismo tiempo, en el cine, como en el teatro dramático, la dirección es de naturaleza aplicada, y en la radio, la televisión y en el estudio se pierde el contacto directo con los oyentes: “Lo que se está creando”, escribe Leo Ginzburg, “es un producto único de orden industrial”.

La profesión de dirección sigue siendo predominantemente masculina hasta el día de hoy, pero en el siglo XX también comenzaron a aparecer directoras femeninas: a principios de siglo, Elfriede Andrée dirigió conciertos abiertos en Gotemburgo; una directora de orquesta de éxito fue Nadia Boulanger; Jeanne Evrard dirigió su propia Orquesta Femenina de París en 1930. En la URSS, la primera directora femenina fue Verónica Dudarova, que subió al estrado por primera vez en 1944.

Notas

1. , Con. 252.
2. Beaussant P. Lully o Le Musicien du Soleil. - París: Gallimard/Théâtre des Champs-Élysées, 1992. - P. 789.
3. , Con. 252-253.
4. , Con. 253.
5. Parshin A.A. Autentismo: preguntas y respuestas // arte musical barroco. Colección 37. - M.: MGK, 2003. - P. 221-233.
6. Steinpress B.S. Antonio Salieri en la leyenda y la realidad // Ensayos y estudios. - M.: compositor soviético, 1979. - pág.137.
7. Kirillina L.V. Beethoveni y Salieri // Música antigua: revista. - 2000. - N° 2 (8). - págs. 15-16.
8. Rytsarev S. Christoph Willibald Gluck. - M.: Música, 1987. - P. 67.
9. Belza I.F. Myslivechek // Gran enciclopedia soviética. - M.: enciclopedia soviética, 1974. - T.17.
10. , Con. 99.
11. , Con. 614-615.
12. , Con. 184.
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15. Korabelnikova L.Z. Rubinshtein N. G. // Enciclopedia musical (editado por Yu. V. Keldysh). - M.: Enciclopedia soviética, 1978. - T. 4.
16. , Con. 164.
17. Korabelnikova L.Z. Safonov V.I. // Enciclopedia musical (editado por Yu. V. Keldysh). - M.: Enciclopedia soviética, 1978. - T. 4.
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