Cultura musical de Rusia en el siglo XIX y principios del XX. Tema de la lección de música "tradiciones musicales del pueblo ruso" Breves mensajes sobre las tradiciones del arte musical ruso

Música rusa del siglo XIX. - Esta es una era brillante y brillante en el desarrollo de la cultura musical. Está asociado con la formación de una escuela nacional de composición e interpretación de importancia mundial. Presentando los mejores logros musicales. Europa Oriental tuvo un efecto beneficioso sobre la naturaleza general de su desarrollo, y la originalidad y la originalidad determinaron en gran medida la adherencia a las tradiciones populares. En el siglo 19 Surgieron nuevos géneros de música vocal y sinfónica. Se han logrado grandes avances en el arte de la ópera. El trabajo de compositores rusos tan maravillosos como M.I Glinka, M.P. Mussorgsky, A.P. Borodin, N.A. Rimsky - Korsakov, P.I Tchaikovsky, entraron en el tesoro de la cultura musical mundial.

Romances “No tentar”; "Duda"; “No cantes, bella, delante de mí”; "Recuerdo momento maravilloso" Música sinfónica “Kamarinskaya”; "jota aragonesa"; "Noche en Madrid"; Ópera nacional rusa “Una vida para el zar” (“Ivan Susanin”). Cuento de ópera y hadas “Ruslan y Lyudmila”.

MAMÁ. Balakirev (1836 – 1910); Ts.A. Cuí (1835 – 1918); AP Borodín (1833 – 1887); MP Mussorsky (1839 – 18810; N.A. Rimsky-Korsakov ().

El organizador e inspirador ideológico de esta unión amistosa, creada a finales de la década de 1850, fue Mily Alekseevich Balakirev, un maravilloso pianista y compositor que logró unir a su alrededor no solo a los amantes de la música, sino también a talentosos intérpretes y compositores. Sus extraordinarias habilidades, excelentes habilidades interpretativas y artísticas, su versátil conocimiento musical y su mente aguda y perspicaz lo deleitaron y le proporcionaron una autoridad inquebrantable.

MAMÁ. Balakirev es autor de muchas obras maravillosas. Creó música para la tragedia "El rey Lear", los poemas sinfónicos "Tamara" basados ​​​​en poemas de M.Yu. Lermontov, “Rus” y “En la República Checa”, “Obertura española”, “Obertura sobre temas de tres canciones rusas”. Para el piano, su instrumento musical favorito, creó una fantasía oriental “Islamey”, inspirada en sus impresiones de un viaje al Cáucaso. Cuarenta romances, sonatas, mazurcas, nocturnos y valses, colecciones de canciones rusas son los mejores logros del compositor.

El legado creativo del compositor es bastante extenso: 14 óperas, entre ellas "El hijo del mandarín" (1859), "William Ratcliffe" (según Heinrich Heine, 1869), "Angelo" (basado en el drama de Victor Hugo, 1875), "Sarraceno" (según la trama de Alejandro Dumas, padre, 1898), "La hija del capitán" (según A. S. Pushkin, 1909), 4 óperas infantiles; obras para orquesta, conjuntos instrumentales de cámara, piano, violín, violonchelo; coros, conjuntos vocales, romances (más de 250), que se distinguen por la expresividad lírica, la gracia y la sutileza de la recitación vocal. El hijo del mandarín 1859 William Ratcliffe a Heinrich Heine 1869 Angelo trama del drama de Victor Hugo 1875 El sarraceno de Alexandre Dumas - padre. 1898 La hija del capitán de A. S. Pushkin 1909 piano violín vio romances loncelli

Alexey Porfirievich Borodin, un importante científico químico, dedicó todo su tiempo investigación científica. Según él mismo admitió, sólo tuvo que componer música durante los períodos de enfermedad. La herencia creativa musical del compositor es pequeña, pero su contribución al desarrollo de la cultura musical rusa es significativa. Las obras de Borodin constituyen la gloria y el orgullo de la música rusa. Tres sinfonías; 15 romances basados ​​en poemas de poetas rusos; La única ópera "Príncipe Igor"

La herencia creativa de Modest Petrovich Mussorgsky, uno de los compositores rusos más destacados del siglo XIX, es inmensa y única. Su corta vida estuvo marcada por brillantes obras en el campo de la música sinfónica y operística. Después de graduarse de la escuela de alféreces de la guardia, abandonó su brillante carrera militar y se retiró en 1858 con el único pensamiento: dedicarse por completo a la música. Uno por uno crea toda la linea obras maestras musicales que marcan nueva era en Historia arte musical.

Una página brillante de la cultura musical rusa del siglo XIX. Asociado con el trabajo de Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov. El comienzo de su carrera musical fue brillante. En 1867 pintó el cuadro sinfónico “Sadko”, basado en la famosa epopeya de Nóvgorod. Un año después, el compositor escribió el cuadro sinfónico "Antar", basado en el árabe. cuentos populares. Más tarde, en 1888, Rimsky-Korsakov volvió a recurrir a motivos orientales en la suite "Scheherazade", basada en cuentos árabes medievales de la famosa colección "Las mil y una noches".

Óperas "La mujer de Pskov", "La novia del zar", "La historia de la ciudad invisible de Kitezh y la doncella Fevronia", "La doncella de las nieves", "La historia del zar Saltan", "El gallo de oro", "Kashchei el Inmortal”, “Noche de Mayo”, “La noche antes de Feliz Navidad”, “Mozart y Salieri”; Alrededor de 80 romances (“Se apagó el día tormentoso”, “No es el viento que sopla desde las alturas”, “La cresta de nubes voladoras se adelgaza”)

La vida del destacado compositor ruso Pyotr Ilyich Tchaikovsky (1840 - 1893) abarcó sólo 53 años, y la extensa lista de obras que creó incluye diez óperas, tres ballets, nueve programas sinfónicos, conciertos, cuartetos, música para representaciones dramáticas, más de cien romances y muchos otros ensayos. Tchaikovsky dijo: “La inspiración es un huésped al que no le gusta visitar a los perezosos; ella se aparece a quienes la reconocen”.

Tchaikovsky logró encontrar su estilo único y original, que determinó su lugar especial en la historia de la cultura musical mundial. En el campo de la música sinfónica, desarrolló el género del poema sinfónico programado (“fantasía” o “obertura - fantasía”). Las óperas ocupan un lugar importante en la obra de Tchaikovsky. Las mejores obras operísticas del compositor son Eugene Onegin y La dama de espadas. La música de ballet de P.I. está iluminada con una luz fabulosamente romántica. Tchaikovsky, en el que aparece no sólo como un brillante reformador, sino también como un pionero. El crítico musical G.A. Laroche escribió: “En términos musicales, El lago de los cisnes es el mejor ballet que he escuchado...”

El canto, interpretado como una de las formas más antiguas de arte musical, no lo fue inmediatamente. Siempre ha estado y sigue estando asociado con la necesidad primaria y orgánicamente inherente de expresión emocional en los humanos. Y esta necesidad humana primordial, no menos que la necesidad social inmediata, determina el lugar excepcional que ocupa el canto en la cultura de la humanidad.

Al investigar las razones que dan origen al canto, N. Chernyshevsky escribió: “El canto es original y esencial, como la conversación, una obra de la naturaleza humana y no una obra de arte”. Esta observación es cierta en el sentido de que el primer y principal instrumento musical que el hombre recibió de la naturaleza fue su voz. Y se convirtió en cantante bajo la influencia del sentimiento, como resultado de una autoexpresión espontánea e involuntaria, que está determinada y moldeada por la atmósfera entonacional general de una época en particular. Y en este sentido, cualquier canto es una conducta que se aprende. Como parte de la tradición folclórica, el canto puede ser al mismo tiempo arte y no arte. En el folklore todo surge, se desarrolla y funciona en una relación orgánica con todos los elementos de la vida del pueblo: con su experiencia histórica, social y laboral, su forma de vida, su moral, sus costumbres, con su cosmovisión, ideas éticas y estéticas.

Dado que el folclore es al mismo tiempo arte y no arte, la comunicación entre sus hablantes se lleva a cabo en forma de conexiones tanto estéticas como no estéticas, aunque su equilibrio se encuentra en diferentes etapas de la historia del folclore y en varios tipos, los géneros del folclore no son los mismos. Esta creatividad colectiva está estrechamente relacionada con el trabajo y la vida cotidiana, con toda la actividad vital de las personas y forma parte de un complejo integral de normas socializadas de relaciones. Conocerlos permite escuchar la tradición desde dentro y evaluarla según sus propias leyes.

Se propone la siguiente tipología de formas de comunicación en el folclore, a partir de determinar la naturaleza y funciones de las conexiones que se forman en el proceso de composición:

1. Comunicación en progreso creatividad artística directamente relacionado con la actividad laboral. Las personas que cantan y trabajan al mismo tiempo están unidas por emociones positivas comunes y una actitud colectiva estetizada hacia el trabajo.
2. Comunicación en el proceso de creatividad artística, indirectamente asociada a la actividad laboral en las formas de pensamiento mitológico y la correspondiente reproducción ritual del proceso laboral u otra influencia mágica sobre las fuerzas de la naturaleza. Este tipo de comunicación, que une en un solo complejo de conceptos: hombre - trabajo - naturaleza, se realiza en el folclore calendario-ritual, en tres formas principales: a) como comunicación ritual directa con las fuerzas de la naturaleza; b) como comunicación con figuras rituales simbólicas como Kolyada, Maslenitsa; c) como comunicación con la ayuda de un mediador vivo, un sacerdote.

El folklore cantado sigue siendo un fenómeno vivo y procedimental mientras se conserven sus formas características de comunicación dentro del grupo que lo crea, y deja de serlo tan pronto como estas formas dan paso a otras. Deja de ser un proceso productivo y se convierte en un excelente monumento de arte popular, material para profesionales.

A la luz de lo anterior, se adquiere el conocimiento de las leyes de la interpretación folclórica y la comprensión de la naturaleza del folclore, que son necesarios para una selección e interpretación discreta y informada del repertorio, y para determinar la medida óptima de su adaptación artística en el escenario. especial importancia.

Para los intérpretes, es importante entender el folclore no sólo como un texto artístico, sino también como un proceso escénico vivo con todas sus particularidades de comunicación sin texto, textura artística y géneros escénicos.

El canto y la canción en la vida popular siempre están abiertos a todos. Esta “amplitud”, “no énfasis en el estatus del cantante” está garantizada por la asombrosa flexibilidad de la tradición. Se sienten cómodos en una reunión de canto. Gente diferente con distintos grados de talento y habilidad. Cada uno canta principalmente para sí mismo, dándose cuenta de su "yo". Al mismo tiempo, la cocreación artística se convierte en el objetivo de la comunicación, el canto colectivo, un acto no sólo musical, sino también conductual, una canción polifónica, que revela no sólo la entonación musical, sino también las relaciones humanas.

El significado de la creación musical conjunta para los portadores de las tradiciones del canto reside no sólo en la coordinación de las partes vocales, sino en algo más, en las relaciones profundas de los cantantes, para quienes no existe una línea clara entre lo “musical” y lo “no-musical”. musical”, estético y no estético, natural y aleatorio.

Por tanto, el folclore siempre se crea de nuevo. La espontaneidad está presente incluso cuando las personas cantan una canción que conocen bien. Las “sorpresas” que inevitablemente surgen no son los defectos del canto, sino sus propiedades naturales, su vida interior, su significado.

L.V. shamina

“Fundamentos de la pedagogía de la canción popular”

Introducción

1. Cultura de la canción en Rusia en el siglo XIX.

2. Escuela rusa de composición

2.1 Mijaíl Ivánovich Glinka

2.2 Alexander Sergeevich Dargomyzhsky

2.3 "El puñado poderoso"

2.4 Piotr Ilich Tchaikovsky

3. Cultura musical rusa de principios del siglo XX.

Conclusión

Bibliografía

Introducción

Rusia en el siglo XIX dio un gran salto en el desarrollo de la cultura e hizo una contribución invaluable a la cultura mundial. Esto estaba predeterminado por varias razones. El auge cultural se debió al proceso de formación de la nación rusa durante la transición a nuevas relaciones capitalistas y al crecimiento de la autoconciencia nacional. Otro factor que contribuyó al desarrollo intensivo de la cultura rusa es la estrecha interacción con las culturas de otros países y pueblos. El pensamiento social de Europa occidental tuvo una gran influencia en la cultura rusa. La sociedad rusa percibió los logros avanzados de las culturas. países europeos, Preservando al mismo tiempo la originalidad de su cultura nacional. La intelectualidad comienza a participar activamente en el desarrollo de la cultura nacional. Al principio, este estrato de la sociedad se formó entre los nobles y el clero, pero ya en el siglo XVIII. Aparecen los plebeyos, ya principios del siglo XIX. - intelectualidad sierva (actores, artistas, arquitectos, músicos, poetas). En el siglo XVIII y la primera mitad del XIX, el papel principal en el desarrollo cultural correspondía a la intelectualidad noble, en la segunda mitad del siglo XIX, a los plebeyos. Entre los plebeyos se encontraban representantes educados de la burguesía liberal y democrática, funcionarios, burgueses, comerciantes y campesinos. Por eso en el siglo XIX. En Rusia hay un proceso de democratización de la cultura. Crece el número de escritores, poetas, artistas, compositores y científicos de clases desfavorecidas.

En este ensayo intentaré dar una descripción general de la cultura musical de Rusia en el siglo XIX y principios del XX, para rastrear los orígenes y la continuidad del arte musical ruso. Es necesario resaltar la importancia de estudiar la historia de la cultura, ya que el presente se fundamenta en el pasado. Incluso las obras musicales más revolucionarias de nuestro tiempo están influenciadas directa o indirectamente por el pasado. El objetivo del ensayo es analizar el estado de la cultura musical en Rusia en el siglo XIX y principios del XX, identificar sus características, hablar sobre los compositores de esta época y sus obras, así como descubrir el significado de la música rusa de ese período. para la cultura mundial.

1. Cultura de la canción en Rusia en el siglo XIX.

En el siglo 19 Los compositores rusos prestaron gran atención al estudio del folclore y consideraron la música folclórica como una fuente de inspiración. Recogieron canciones populares y las utilizaron a menudo en sus obras. Aparecen nuevos géneros musicales, las formas antiguas (canciones cotidianas, canciones sobre el tema de las andanzas, canciones satíricas) se transforman bajo la influencia de nuevas condiciones de vida, la naturaleza de las imágenes y los medios entonativos y expresivos cambian. Los principales acontecimientos sociopolíticos de importancia nacional se reflejan en las canciones populares cotidianas. La Guerra Patria de 1812 tuvo un amplio reflejo en las canciones populares. Nos ha llegado un ciclo de canciones relacionadas con la tradición del folclore oral sobre 1812. Son muy diversos en su contenido y formas musicales y poéticas. Esta guerra fue el motivo de la aparición de canciones líricas que capturaron el profundo dolor nacional, la tristeza, el dolor causado por los desastres de la Patria, la ruina. tierra nativa, la muerte de seres queridos.

La canción popular rusa ganó gran popularidad y se distribuyó en muchos arreglos originales: para coro, voz con acompañamiento e instrumentos individuales. En 1806-1815, la colección de Pracha se volvió a publicar varias veces. Sobre esta base, se crearon colecciones de canciones de acceso público.

Danila Kashin, que provenía de la servidumbre, ganó gran fama y creó muchas adaptaciones de canciones populares. En 1833-1834 Su colección "Canciones populares rusas" se publicó en tres partes. En los años cuarenta se reeditó la colección, lo que indica su popularidad.

Ivan Rupin también recopiló canciones campesinas y las procesó; su obra se caracteriza por una síntesis de canciones populares y entonaciones románticas urbanas. Su apellido fue pronunciado por sus contemporáneos con la terminación italiana: Rupini, lo que indica su fama. En 1831 se publicó su colección de canciones. Simultáneamente con las transcripciones cotidianas de canciones populares, se desarrolla un romance lírico y sentimental. En este género se combina la sencillez de medios con la espontaneidad y la sinceridad de expresión. Los compositores Alyabyev, Varlamov, Gurilev y Verstovsky fueron de gran importancia en la evolución de la novela romántica rusa del siglo XIX.

Alexander Alexandrovich Alyabyev (1787-1851) era de la nobleza. Sirvió en el ejército, participó en guerra patriótica 1812 Tras jubilarse, se dedicó a la creatividad. Alyabyev es autor de romances populares: "Te amé", "Winter Road" (ambos basados ​​en poemas de A.S. Pushkin), "The Nightingale" y otros. "The Nightingale" es una de las canciones más famosas de Alyabyev. Todo en él es sencillo y al mismo tiempo sincero. La canción está precedida por una introducción al piano. Desde las primeras entonaciones de la parte vocal se desarrolla una melodía cautivadora, suave y reflexiva. Inmediatamente cautiva con su espiritualidad.

Compositor Alexander Egorovich Varlamov (1801-1848) - autor de romances populares. Creó más de un centenar de obras de este género, en su mayoría basadas en poemas de poetas rusos ("El vestido de verano rojo", "Una ventisca barre la calle", "Al amanecer no la despiertes", "La vela solitaria es Blanco”, etc.). Varlamov también se distinguió como cantante, director de orquesta, guitarrista y profesor. Es autor de un libro de texto para cantantes: "La escuela completa de canto" (1840).

Alexander Lvovich Gurilev (1803-1858) era hijo de un músico siervo. Compositor, pianista, violinista, violista y profesor, Gurilev es conocido como autor de canciones y romances. Sus canciones más famosas son "Mother Dove", "Bell", "Sarafan", "Swallow is Flying" y los romances "Separation", "You Can't Understand My Sadness". Además de las letras vocales, el compositor trabajó en los géneros de la música para piano, recopiló y arregló canciones populares.

El trabajo de Alyabyev, Varlamov y Gurilev es una contribución invaluable al tesoro de la música rusa. Sus canciones y romances todavía están incluidos en el repertorio de conciertos de cantantes, coros e interpretados por gente corriente.

Agencia Federal para la Educación

Academia Estatal de Economía y Servicios de Ufa

Departamento de Turismo y Hotelería

TRABAJO DEL CURSO

en la disciplina "Cultura y Arte Mundial"

sobre el tema: La cultura musical rusa del siglo XIX y su importancia global.

completado por: estudiante gr. SD-21

Mijailova I.V.

revisado por: Ph.D., Profesor Asociado

Kotova T.P.

Introducción

Antecedentes históricos

Desarrollo de la cultura de la canción rusa en el siglo XIX.

escuela rusa de composicion

Mijaíl Ivánovich Glinka

Alexander Sergeevich Dargomyzhsky

"El puñado poderoso"

·El genio Piotr Ilich Tchaikovsky

Conclusión

Bibliografía

Aplicaciones

Introducción

Sin músicala vida sería un error. (Friedrich Nietzsche)

Música- esto es inteligencia encarnada en hermosos sonidos. (Iván Serguéievich Turguénev)

Música- un mediador entre la vida de la mente y la vida de los sentimientos. (Ludwig van Beethoven)

palabra rusa La “música” es de origen griego. De todas las artes, la música tiene el impacto más directo en la percepción humana y “contagia de emociones”. El lenguaje del alma, así se suele hablar de música precisamente porque tiene un fuerte impacto a nivel subconsciente en la zona de los sentimientos de una persona, pero no se puede descartar que también influya en el área de la mente. Es imposible dar una definición exhaustiva y precisa del fenómeno (o sustancia) llamado “música”.

La riqueza de la música rusa es inconmensurable. Durante más de diez siglos, sus tradiciones se han formado y desarrollado en estrecho contacto con la cultura musical de otros países y en constante interacción con otros tipos de creatividad artística.

La música rusa es la parte más importante de la cultura rusa. Al igual que la literatura, la poesía, la pintura y el teatro rusos, refleja vívidamente todas las etapas de la vida social y la formación del pensamiento filosófico y estético ruso. En sus diversos géneros y formas se encarna la historia del pueblo, su lucha por la liberación, el carácter del hombre ruso, la originalidad de la naturaleza y la vida rusas.

En mi trabajo de curso decidí mostrar el desarrollo musical. Rusia XIX siglo, que tuvo lugar en el contexto de los más importantes eventos históricos- Guerra Patria, levantamiento decembrista, abolición de la servidumbre, etc.

El objetivo del trabajo es analizar el estado de la cultura musical en Rusia en el siglo XIX, identificar sus características, hablar sobre los compositores de este siglo y sus obras, así como identificar el significado de la música rusa del siglo XIX para la cultura mundial. .

El trabajo del curso incluirá métodos de investigación como el estudio y análisis de literatura y documentos, generalización, análisis de productos de actividad y descripción.

Al estudiar este tema, utilizaré literatura: Enciclopedia “La vuelta al mundo”, literatura musical rusa de E. Smirnova, Nikitina L.D. Historia de la música rusa, etc.

Antecedentes históricos

compositor de la cultura de la canción musical

El siglo XIX en Rusia está asociado con importantes cambios políticos y sociales, y la guerra de 1812 y la abolición de la servidumbre desempeñaron un papel importante en esto. En literatura, poesía, música y pintura, el tema de la desigualdad social se ha agudizado.

Ya en la primera mitad del siglo XIX, la cultura rusa alcanzó un florecimiento brillante y deslumbrante. Liberándose de elementos de imitación, encuentra formas originales y originales de expresión para los contenidos más diversos y amplios y crea grandes valores duraderos de significado universal. El trabajo de representantes tan brillantes como Pushkin, Lermontov, Gogol en la literatura, Glinka en la música constituye uno de los picos más altos no solo del arte ruso, sino también del mundo.

La Guerra Patria de 1812 dio un fuerte impulso al surgimiento de la iniciativa pública. El patriotismo del pueblo ruso se manifiesta en una creciente preocupación por el bien común, en una amplia conciencia de los intereses comunes de la nación, en el deseo de mejorar. el nivel de cultura y bienestar nacional.

El levantamiento decembrista tuvo una influencia significativa en el desarrollo de la cultura rusa en el siglo XIX. Todas las emociones, pensamientos, experiencias se reflejan en muchos. obras musicales ese momento. La era de los decembristas marcó el comienzo del desarrollo de la canción revolucionaria en Rusia. Un gran mérito a este respecto pertenece a las figuras del movimiento decembrista: Ryleev y Bestuzhev. Las tradiciones del canto revolucionario, establecidas por los poetas decembristas, fueron retomadas y desarrolladas por sus contemporáneos. Los temas del amor a la libertad y la protesta, la lucha contra la opresión social, penetraron profundamente en las canciones cotidianas.

A medida que las ideas de liberación crecieron y se difundieron, la oposición del gobierno a ellas se intensificó. Ya en la segunda mitad del reinado de Alejandro I se determinó este rumbo reaccionario, expresado en la destrucción de las universidades y el fortalecimiento de la censura. Después de la represión reinó en la vida rusa una larga racha de reacción sin precedentes, cruel, sorda y despiadada. levantamiento decembrista, junto con el ascenso al trono de Nicolás I. La existencia de un periodismo democrático, y más aún de organizaciones políticas que realizaban actividades prácticas revolucionarias, era imposible en Rusia.

En estas condiciones, especialmente gran importancia La literatura adquiere, las obras de Pushkin, Gogol, Lermontov se convierten en el principal portavoz del pensamiento de liberación.

Todo lo anterior crea los requisitos previos para la formación de escuelas clásicas de literatura y arte nacionales rusos.

En el desarrollo de la música rusa, Glinka jugó un papel en muchos aspectos similar al que pertenece a Pushkin en el desarrollo de la literatura rusa. Al igual que Pushkin, Glinka aceptó e implementó ampliamente varios elementos de la cultura artística contemporánea. Al asimilar todo lo valioso y viable del legado de sus predecesores, Glinka supera sus limitaciones y logra una enorme riqueza, integridad de contenido y perfección de expresión artística. En términos de equilibrio interno, integridad armoniosa ideal y plenitud, la obra de Glinka resultó ser para las generaciones posteriores el mismo modelo indiscutible y la misma norma clásica que la poesía de Pushkin. Con su obra, Glinka sentó las bases de su influencia mundial. Dargomyzhsky sigue el camino de Glinka en su obra. Introduce en la música rusa elementos de mayor agudeza social, caracterización cotidiana y psicológica, sátira y humor, preparando gran parte de lo que recibirá una clara expresión en la obra de la joven escuela nacional de los años 60. Con su obra, Glinka sentó las bases de su influencia mundial.

A partir de ese momento, los informes sobre la música rusa comenzaron a aparecer cada vez con más frecuencia en la prensa extranjera. Unos meses antes de que aparecieran los artículos de Berlioz sobre Glinka, el famoso musicólogo francés Fetis escribió sobre el aún joven Dargomyzhsky como un talento musical original y prometedor en Rusia.

Periodo histórico 60-80. El siglo XIX se suele llamar posreforma: en 1861, por decreto real, fue cancelado. servidumbre, que implicó la liberalización de la vida social rusa. Esta etapa estuvo marcada por el alto florecimiento de la cultura artística como fenómeno integral y original. Fue entonces cuando se formó en el arte un cierto sistema de valores espirituales y estéticos, que se plasmaron en la literatura y el teatro, la pintura y la música.

Desarrollo de la cultura de la canción rusa en el siglo XIX.

“Fue la época de las canciones”, esto dijo el poeta G.R. Derzhavin. La aparición de la cultura de la canción de esa época era inusualmente diversa e incluso multilingüe. En la vida cotidiana, las canciones rusas y francesas, gitanas y alemanas, campesinas y urbanas, amateurs y profesionales están intrincadamente entrelazadas. La canción sonaba desde las páginas. obras literarias y se publicó en colecciones especiales “para el placer de muchos amantes”, representadas en casas de aristócratas.

En el siglo 19 Continuó prestando gran atención al estudio del folclore. Los compositores rusos consideraban la música folclórica una fuente de inspiración. Recogieron canciones populares y las utilizaron frecuentemente en sus obras, sin perder la originalidad de su propio lenguaje musical.

Están surgiendo algunos géneros nuevos, las formas antiguas (canciones cotidianas, canciones sobre el tema de las andanzas, canciones satíricas) están evolucionando bajo la influencia de nuevos contenidos de vida, la naturaleza de las imágenes y los medios de entonación y expresión están cambiando. La canción popular cotidiana responde a importantes acontecimientos políticos y sociales de importancia nacional.

En él queda ampliamente reflejada la Guerra Patria de 1812. Nos ha llegado todo un ciclo de canciones sobre el duodécimo año, asociadas a la tradición del folclore oral. Son muy diversos en su contenido y formas musicales y poéticas. A veces utilizan técnicas de antiguos tipos de canciones populares tradicionales.

La Guerra Patria también provocó el surgimiento de líricas expresivas.

canciones que capturan el profundo dolor, la tristeza y el dolor de la gente causados ​​por los graves desastres de su patria, la devastación de su tierra natal y la pérdida de sus seres queridos.

La canción popular rusa comenzó a gozar de una popularidad excepcionalmente amplia y se difundió en muchos arreglos diferentes: para coro, voz con acompañamiento e instrumentos individuales. De 1806 a 1815, la colección de Pracha se publicó en su segunda y tercera edición. Sobre esta base, se crearon colecciones de canciones de acceso público.

El talentoso músico ruso, proveniente de la servidumbre, Danila Kashin, era ampliamente conocido por sus adaptaciones de canciones populares. En 1833-1834 Su colección "Canciones populares rusas" se publicó en tres partes. Es tan característico de su época como lo fue la “Colección” de Prač de finales del siglo XVIII y XIX. A principios de los años 40 apareció la segunda edición de la colección Kashin, lo que atestigua su popularidad y su gran demanda. En las técnicas de procesamiento de Kashin se nota claramente un deseo de acentuar la sensibilidad, a veces de naturaleza un tanto histérica.

En el mismo camino que Kashin, la interpenetración de canciones populares y entonaciones románticas urbanas fue seguida por otro famoso coleccionista de canciones, un siervo de origen, Ivan Rupin, quien también era un talentoso cantante e intérprete (su apellido fue pronunciado por sus contemporáneos con la terminación italiana - Rupini) y el compilador de una colección de canciones populares, publicada en 1831

Junto con diversas refracciones cotidianas de la canción popular rusa, se desarrolló un romance lírico y sentimental, que también gozó de una gran popularidad en los más diversos estratos de la sociedad. Al igual que la "canción rusa" del siglo XVIII, la parte predominante del romance ruso estaba asociada con la esfera de la creación musical casera. En el lenguaje musical del romance cotidiano, la simplicidad de los medios se combina con la espontaneidad sincera y la sinceridad de expresión. . Papel importante Los compositores Alyabyev, Varlamov, Gurilev y Verstovsky desempeñaron un papel en el desarrollo de la novela romántica rusa del siglo XIX (ver Apéndice 1).

Alexander Alexandrovich Alyabyev(1787-1851) nació en una antigua familia noble. En su juventud sirvió en el ejército y participó en la Guerra Patria de 1812. Posteriormente dejó el servicio militar y se dedicó a actividad creativa. Alyabyev es autor de romances famosos: "Te amé", "Winter Road" (ambos basados ​​en poemas de Alexander Sergeevich Pushkin), "The Nightingale" y otros. " Ruiseñor"es una de las canciones favoritas y más difundidas de Alyabyev. Todo en él es modesto y sencillo. La canción está precedida por una animada introducción al piano con el espíritu de un rasgueo de guitarra. Desde las primeras entonaciones de la parte vocal se desarrolla una melodía cautivadoramente suave y reflexiva. Amplio y suavemente redondeado, captura y cautiva inmediatamente con su austera belleza.

Compositor Alexander Egorovich Varlamov(1801-1848) - autor de romances populares. En total, creó unas doscientas obras de este género, basadas principalmente en poemas de poetas rusos ("El vestido de verano rojo", "Una ventisca barre la calle", "Al amanecer no la despiertas", "La solitaria La vela es blanca”, etc.). Varlamov también fue conocido como cantante, guitarrista, director de orquesta y profesor. Escribió uno de los primeros rusos. material didáctico para vocalistas - "La escuela completa de canto" (1840).

Alexander Lvovich Gurilev(1803-1858) era hijo de un músico siervo (en 1831, él y su padre fueron liberados). Compositor, pianista, violinista, violista y profesor, Gurilev se hizo famoso como escritor de canciones y romances. Sus canciones más famosas son "Mother Dove", "Bell", "Sarafan", "Swallow is Flying" y los romances "Separation", "You Can't Understand My Sadness". Además de las letras vocales, el compositor trabajó en los géneros de la música para piano, recopiló y arregló canciones populares.

La obra de Alyabyev, Varlamov y Gurilev es una valiosa contribución al tesoro de la música rusa. Sus mejores canciones y romances están incluidos en el repertorio de conciertos de cantantes y coros; son cantados con amor entre el pueblo de nuestro tiempo.

Escuela rusa de composición del siglo XIX.

Mijaíl Ivánovich Glinka

Sin duda, el representante más destacado de la primera escuela de composición mitad del siglo XIX el siglo es Mijaíl Ivánovich Glinka(1804-1857). La obra de Mikhail Ivanovich Glinka se encuentra en los orígenes de la escuela de composición rusa, y sus obras, métodos de trabajo y actitud hacia los géneros y tradiciones musicales fueron percibidos como ejemplares en el siglo XIX. Habiendo recibido una educación musical seria en Europa, Glinka fue el primero en comprender profundamente las peculiaridades de la música nacional rusa y, en gran parte gracias a este maestro, los géneros europeos recibieron una interpretación original en Rusia. Las impresiones de la infancia de Glinka quedaron reflejadas en su obra. Los primeros años de su vida los pasó en la finca de su padre, en la naturaleza rural de la región de Smolensk. Allí aprendió y se enamoró de las canciones populares y las escuchó. Los cuentos de la niñera sierva Avdotya Ivanovna, que lo amaba con ternura y devoción, se hundieron profundamente en el impresionable alma infantil de la pequeña Glinka.

Los acontecimientos de 1812 causaron una gran impresión en Glinka. Huyendo de la invasión del ejército napoleónico, la familia Glinka abandonó la finca. El niño escuchó muchas historias sobre el heroísmo de los partisanos y siempre estuvo imbuido de amor y respeto por el pueblo ruso, su poderosa fuerza y ​​​​belleza espiritual.

En la vida familiar de Glinka a menudo se tocaba música. Un tío que vivía cerca tenía una buena orquesta formada por músicos siervos. La música causó una impresión asombrosa en el niño; después de los conciertos caminaba distraído. “La música es mi alma”, dijo una vez. La orquesta de siervos de mi tío interpretó varias obras, incluidas canciones populares. Recordando sus impresiones de la infancia, Glinka escribió: "...Quizás estas canciones, que escuché cuando era niño, fueron la primera razón por la que posteriormente comencé a desarrollar predominantemente la música folclórica rusa".

Las habilidades compositivas de Glinka se demostraron más claramente en dos óperas: " Vida para el zar"("Iván Susanin") y " Ruslán y Ludmila" Creó ejemplos de ópera nacional rusa: ópera heroica-épica y ópera de cuento de hadas. El desarrollo posterior de estos géneros está relacionado con los principios que estableció Glinka.

La ópera "La vida del zar" (en la URSS en los años 30 y 80 se adoptó el nombre "Ivan Susanin"; 1836) fue escrita sobre una trama histórica y patriótica. El compositor recurrió a los acontecimientos de principios del siglo XVII. - la lucha del pueblo ruso contra los conquistadores polacos. La trama de la obra, la hazaña de Ivan Susanin, le fue sugerida a Glinka por el poeta Vasily Andreevich Zhukovsky.

"Una vida para el zar" es la primera ópera rusa sin diálogo hablado; se basa en el desarrollo musical continuo. El tejido musical de la obra está impregnado de escenas corales. En particular, abren (el coro “Mi Patria”) y completan la obra (el coro final, jubiloso y victorioso “Gloria”).

En el centro de la ópera está la imagen del campesino ruso Ivan Susanin. El compositor destaca la fuerza moral del héroe. Por sus características musicales se utilizan las entonaciones de melodías populares. Antonida, la hija de Susanin, es una imagen brillante y poética (“tiernamente elegante”, según el propio Glinka) de una niña rusa. Sobinin, el prometido de Antonida, es un miliciano, un hombre atrevido e intrépido, Vanya es el hijo adoptivo de Susanin, "un simple corazón", según Glinka, un niño de trece años. Las imágenes de los jóvenes miembros de la familia Susanin (Vanya, Antonida, Sobinin) están dibujadas en las tradiciones y entonaciones de una canción romántica cotidiana.

A las imágenes rusas se opone un campo hostil de polacos. La detallada imagen coreográfica representa el “acto polaco” de la ópera: un magnífico baile en un antiguo castillo. Esta composición sinfónica transmite la brillantez, la gracia y el orgullo de la nobleza polaca. Suenan las melodías y ritmos de la polonesa, la mazurca y el krakowiak. La belleza de la música es fascinante, pero en general la sencillez y sinceridad de las escenas "rusas" contrasta con la ostentosa pompa del "acto polaco".

Finalmente, los dos campos chocan directamente: un destacamento polaco llega al pueblo de Domnino a Susanin y le exige que los lleve al lugar donde se encuentra el zar Mikhail Romanov. La escena de Susanin con los polacos en la espesura del bosque, donde los llevó a la muerte, es el clímax de la ópera. El final es trágico: el personaje principal da su vida por Rusia. Por la noche, en el bosque, Susanin interpreta su monólogo moribundo, el recitativo "Sienten la verdad", convirtiéndose en el aria de oración "Te levantas, amanecer mío", en la que el héroe le pide a Dios la fuerza para enfrentarse. ultima hora. Transmite tanto profundo dolor como esperanza. La música es de ritmo lento, estricta y de humor concentrado, que recuerda a los himnos de la iglesia.

La ópera "Una vida para el zar" se representó con gran éxito el 27 de noviembre de 1836 en el escenario del Teatro Bolshoi de San Petersburgo. Los dirigentes de la sociedad rusa la apreciaban mucho.

La conciencia de la victoria creativa inspiró al compositor a nuevas ideas, y unos años más tarde apareció la ópera "Fairy Tale". Ruslán y Ludmila"(1842). Está escrito en la trama. poema del mismo nombre A. S. Pushkin. El lento desarrollo de la acción musical recuerda a antiguas epopeyas y leyendas. La ópera contiene escenas rituales populares, coloridas imágenes de la naturaleza e imágenes fantásticas. Al mundo de los héroes rusos (Ruslan, Ratmir), el cantante Boyan y el príncipe Vladimir se le opone el mundo de cuento de hadas de los magos: Chernomor y Naina. Los héroes se muestran con seriedad y majestad épicas. Chernomor y Naina (así como el desafortunado rival de Ruslan, Farlaf) están dibujados con una indudable cantidad de humor; el autor parece decirle al oyente: estos son sólo personajes de cuentos de hadas, más cómicos que malvados. La principal característica de Chernomor, el señor del castillo mágico, es una marcha medio en broma. La orquesta juega un papel importante en la creación de imágenes. Al representar el reino de Chernomor, el compositor utiliza las entonaciones de la música oriental. Frente al oyente se interpretan danzas turcas y árabes y Lezginka. La ópera "Ruslan y Lyudmila" termina, como cualquier cuento de hadas, con la victoria del bien sobre el mal y el triunfo del amor.

Romances y canciones Glinka- el orgullo de los clásicos rusos. El compositor los escribió a lo largo de su vida. Los romances líricos de Glinka son una especie de confesión de su alma. Algunos de ellos representan imágenes de la naturaleza y la vida rusas. En sus romances, Glinka resumió y desarrolló todo lo mejor creado por sus predecesores y contemporáneos, los autores del romance cotidiano. Muchos romances famosos, por ejemplo "Estoy aquí, Inesilya", "Recuerdo un momento maravilloso", fueron escritos sobre poemas de A. S. Pushkin. Glinka también recurrió a las obras de V. A. Zhukovsky, A. A. Delvig y otros poetas rusos. Basado en las palabras del entonces popular poeta Nestor Vasilyevich Kukolnik, el compositor creó un ciclo de doce romances "Adiós a Petersburgo" (1838), así como el famoso romance "La duda", que le encantaba al destacado cantante ruso Fyodor Ivanovich Chaliapin. llevar a cabo.

Para la orquesta, Glinka escribió una obertura privada de fantasía sinfónica. Sus mejores obras en este género son “Camarina” (1848), “Jota aragonesa” (1845) y “Noche en Madrid” (1851). "Kamarinskaya", según la opinión general de los compositores rusos, sentó las bases de la música sinfónica rusa. Las oberturas “españolas” “Jota aragonesa” y “Noche en Madrid” son un brillante ejemplo del dominio de Glinka de las entonaciones y el estilo de la música española. La pieza para orquesta “Waltz Fantasy” (1856) preparada para el surgimiento de los valses sinfónicos por P. I. Tchaikovsky.

Gracias al trabajo de Mikhail Ivanovich Glinka, la escuela de música rusa logró reconocimiento en Europa. Las generaciones posteriores de compositores, y simplemente amantes de la música, siempre han valorado mucho la contribución del maestro a la cultura rusa.

Alejandro Serguéievich Dargomyzhski (1813-1869)

Dargomyzhsky es un contemporáneo más joven y seguidor de Glinka. Entró en la historia de la música rusa como un "gran maestro de la verdad musical", un valiente innovador.

Las opiniones de Dargomyzhsky se formaron en el período de los años 30 y 40. Siglo XIX, una época de rápido desarrollo de la cultura rusa. Respondió con sensibilidad a todo lo avanzado y progresista del arte ruso. En su obra estuvo cerca de los escritores y artistas democráticos de Rusia. Las conexiones entre la música vocal de Dargomyzhsky y Pushkin, Gogol y Lermontov son especialmente estrechas. No es casualidad que las mejores obras de Dargomyzhsky estén basadas en poemas de Pushkin y Lermontov.

En las obras de Dargomyzhsky los romances y las óperas ocupan un lugar central. El compositor compuso música vocal de cámara a lo largo de su vida: escribió más de cien romances, canciones y conjuntos vocales. Estos géneros fueron una especie de laboratorio creativo para Dargomyzhsky: en ellos se formó su lenguaje musical. Los romances más famosos son "I Love You" (basado en los versos de A. S. Pushkin), "Both Bored and Sad", "I'm Sad" (basado en los versos de Mikhail Yuryevich Lermontov). Están imbuidos de un lirismo sutil. y un estado de ánimo de soledad.

En las obras de A. S. Dargomyzhsky apareció. nuevo genero letras vocales - canción satírica. Ejemplos vívidos trabajos similares: las canciones "Worm" y "Titular Advisor" (ambas de los años 50). Utilizando un recitativo que se acercaba al habla natural, el compositor pintó expresivos retratos sociales.

Las mejores obras de Dargomyzhsky incluyen ópera "Rusalka"(1855). Basado en el texto de la obra inacabada del mismo nombre de A. S. Pushkin, el propio compositor escribió el libreto. “Rusalka” es la primera ópera rusa con el carácter de un drama musical psicológico y cotidiano. La principal tarea planteada por el compositor es reflejar el mundo espiritual de los personajes, sus vivencias y personajes.

En los años 60 Dargomyzhsky recibió un amplio reconocimiento público. Los estrenos de sus óperas fueron un gran éxito, el compositor fue elegido miembro del comité de la sucursal de San Petersburgo de la Sociedad Musical Rusa.

"El puñado poderoso"

La segunda mitad del siglo XIX: tiempos posteriores a la reforma, la abolición de la servidumbre, la liberalización de la vida pública, el florecimiento de los sentimientos revolucionarios en la sociedad rusa. Esta etapa estuvo marcada por el alto florecimiento de la cultura artística como fenómeno integral y original. Fue entonces cuando se formó en el arte un cierto sistema de valores espirituales y estéticos, que se plasmaron en la literatura y el teatro, la pintura y la música.

El arte musical no ha permanecido al margen de los temas candentes de nuestro tiempo. Las posiciones populistas son características de la cosmovisión de muchos compositores que creían en el papel mesiánico del pueblo ruso, en el triunfo de su histórica hazaña espiritual. La música reflejaba todo el espectro de intensas búsquedas morales de la intelectualidad rusa de aquellos años y encarnaba ideales inspirados en la época en imágenes musicales. Algunos maestros idealizaron la historia rusa y la pureza de la vida popular, otros creían en la superación personal del individuo basándose en las leyes de la ética popular, mientras que otros buscaron encarnar en su trabajo un cierto prototipo. Cultura Folk, nacido de una fuente siempre viva: la naturaleza prístina.

La singularidad del género de la música rusa está estrechamente relacionada con el "centrismo literario" característico de la cultura artística de la era posterior a la reforma. Generado por la estética del realismo, se expresó en el papel prioritario de la palabra, artístico y periodístico. El género musical principal en ese momento era la ópera: histórica, épica, lírica y dramática. Continúan desarrollándose otros géneros musicales sintéticos: romance, canción. La música vocal complementa la "enciclopedia musical" de la poesía rusa, enriqueciéndola con imágenes sociales, acusatorias y lírico-psicológicas.

La segunda mitad del siglo XIX es la época del surgimiento de la sociedad, que recibió mano ligera crítica de V.V. Stasova, nombre "El puñado poderoso". Incluía M.A. Balakirev, Ts.A. Cui, MP. Mussorgsky, N.A. Rimsky-Korsakov, A.P. Borodín.

"The Mighty Handful" es un fenómeno excepcional del arte ruso. Dejó una profunda huella en muchos ámbitos de la vida cultural en Rusia, y no sólo en Rusia. En las siguientes generaciones de músicos, hasta nuestros días, hay muchos herederos directos de Mussorgsky, Borodin, Rimsky-Korsakov, Balakirev. Las ideas que los unían, sus puntos de vista progresistas, se convirtieron durante muchos años en un modelo para los principales artistas.

El jefe y líder del “Puñado Poderoso” era Miliy Alekseevich Balakirev(1836/37-1910). Es uno de los fundadores (1862) y director (1868-73 y 1881-1908) de la Escuela Libre de Música. De 1867 a 1869 fue director de la Sociedad Musical Rusa y de 1883 a 1894 director de la Capilla de Canto de la Corte. Sus obras más famosas son la "Obertura sobre los temas de tres canciones rusas" (1858), los poemas sinfónicos "Tamara" (1882), "Rus" (1887), "En la República Checa" (1905) y el oriental. fantasía para piano “Islamey” (1869), romances, arreglos de canciones populares rusas, etc.

Entre los compositores del “Mighty Handful” Modesto Petrovich Mussorgsky(1839-1881) fue el exponente más destacado de la música ideas democráticas revolucionariasaños 60 ggg. Siglo XIX. Fue Mussorgsky, más que nunca, quien supo revelar de manera integral, con gran poder acusatorio, en la música la dura verdad de la vida del pueblo ruso, recrear, como dijo V.V Stasov, “todo el océano del pueblo ruso, vida, personajes, relaciones, desgracia, carga insoportable, humillación”. Independientemente de lo que escribió Mussorgsky: óperas, canciones, coros, en todas partes actúa como un denunciante furioso y apasionado de la injusticia social.

En 1863, el compositor comenzó a componer la ópera "Salammbô" (basada en la novela homónima del escritor francés Gustave Flaubert), y en 1868, la ópera "El matrimonio" (basada en el texto sin cambios de la comedia de N. V. Gogol). Ambas obras quedaron inacabadas, pero prepararon a Mussorgsky para la creación de la ópera Boris Godunov (1869), que se convirtió en un fenómeno importante en la música rusa.

Todo el poder del talento de Mussorgsky se reveló en ópera "Boris Godunov"Basado en la tragedia de Pushkin. En esta tragedia, Mussorgsky se sintió atraído por la oportunidad de mostrar en la ópera el despertar del poder del pueblo, que resulta en un descontento abierto y, al final, en un levantamiento espontáneo. La idea principal de la ópera es el conflicto entre el criminal zar Boris y el pueblo, que desemboca en un levantamiento. La atención del compositor se centró en revelar la idea principal: el enfrentamiento entre el rey y el pueblo. Los personajes de la ópera de Mussorgsky son los personajes principales. A pesar de la gran importancia de las escenas de multitudes, en la ópera la atención principal se centra en caracterizar el mundo interior de los personajes. En primer plano, por supuesto, está la imagen de Boris, que se revela a través de extensas escenas de monólogos. Mussorgsky, que domina brillantemente la técnica del recitativo, transmite en la música el estado mental del héroe: vaga ansiedad, dolor y depresión, doloroso tormento de conciencia, miedo e incluso alucinaciones. La parte orquestal en la ópera es muy compleja. Sigue la voz con flexibilidad, añadiendo importantes matices psicológicos a la parte vocal. Esta ópera tiene un espíritu cercano a los sentimientos democráticos revolucionarios que existían en la sociedad rusa en los años 60 y 70. Siglo XIX.

En 1872, el compositor comenzó a trabajar en la ópera "Khovanshchina", que él mismo llamó "drama musical popular". Al mismo tiempo, escribió una obra de un tipo completamente diferente: la ópera de comedia lírica "Feria Sorochinskaya" basada en la historia de N.V. Gogol (permaneció inconclusa).

Según sus contemporáneos, Mussorgsky fue un excelente pianista. Como homenaje a su instrumento favorito, creó una gran suite para piano de diez piezas. "Cuadros de una exposición"(1874). La idea de la suite se inspiró en la exposición póstuma de las obras de su amigo, el artista y arquitecto Viktor Aleksandrovich Hartmann. El ciclo comienza con una introducción, que se convierte en el leitmotiv de la obra. El autor lo llamó “Paseo” por una razón: transmite el movimiento del visitante a través de las salas de exposición. A esto le siguen "imágenes" individuales: "Gnomo", "Castillo Viejo", "Jardín de las Tullerías", "Ganado", "Ballet de polluelos sin eclosionar", etc. La música introductoria se repite periódicamente, y gracias a esto el ciclo adquiere unidad y se percibe como una composición integral.

Mussorgsky es autor de canciones y romances famosos. La primera canción publicada “¿Dónde estás, estrellita...” (letra del poeta y traductor Nikolai Porfiryevich Grekov) dio lugar a un tema lírico en la obra vocal del compositor, que alcanzó su apogeo en el romance fantástico “Noche” ( palabras de A. S. Pushkin). En los romances "Pero si pudiera conocerte" (letra del poeta Vasily Stepanovich Kurochkin) y "Svetik Savishna" y "Seminarist" (letra del compositor) se presentan divertidos bocetos de la vida familiar rusa.

Mussorgsky es un compositor verdaderamente popular, que dedicó toda su obra a la historia de la vida, los dolores y las esperanzas del pueblo ruso. Su creatividad era tan original e innovador, que todavía tiene un fuerte impacto en compositores de diferentes países.

Alejandro Porfirievich Borodin (1833-1887) -un compositor singularmente único. En la música continuó en muchos sentidos las tradiciones de Glinka. En su música, Borodin encarnó la grandeza y el poder del pueblo ruso, los rasgos de carácter heroico del pueblo ruso, las imágenes majestuosas de la epopeya nacional. Y junto a esto, en la obra de Borodin hay imágenes líricas, sinceras, llenas de pasión y ternura.

Borodin es uno de los creadores del idioma ruso. sinfonía clásica(2do, " bogatyrskaya", 1876, que abrió la dirección heroica-épica del sinfonismo ruso; cuadro sinfónico “En Asia Central”, 1980), cuarteto de cuerda clásico ruso. Maestro del lirismo vocal (“Por las costas de la patria lejana”); introdujo imágenes de la epopeya heroica en el romance, encarnó las ideas de liberación de los años 60. Siglo 19 (“La princesa durmiente”, “Canción del bosque oscuro”).

Una obra notable de la literatura rusa antigua del siglo XII, "El cuento de la campaña de Igor", fascinó a Borodin, lo fascinó y lo inspiró a crear una ópera. The Lay habló de la fallida campaña del valiente príncipe Igor contra los polovtsianos. El autor llamó a los príncipes a unirse, y esta orientación patriótica de la obra contenía su papel progresista. Borodin creó su gran ópera basada en esta trama. "Príncipe Igor"(completado por Rimsky-Korsakov en 1890).

“Príncipe Igor” es una ópera lírico-épica en 4 actos con prólogo. La música de la ópera se basa en gran medida en las entonaciones de canciones populares: rusas y orientales. Colores brillantes Se pintaron escenas populares, tanto rusas como orientales. En esto, Borodin fue un seguidor de Glinka, quien también encontró características artísticamente convincentes para representar el campo de los enemigos.

Nikolái Andréievich Rimski-Kórsakov (1844-1908).Entre los compositores de The Mighty Handful, Rimsky-Korsakov ocupa un lugar especial. Con su obra, la música rusa floreció plenamente. cuento de hadas. Toda su vida es un servicio desinteresado y desinteresado al arte, lealtad a sus ideales.

La gama de temas y tramas encarnadas por Rimsky-Korsakov es amplia y variada. Como todos los "Kuchkistas", el compositor recurrió a la historia rusa, a imágenes de la vida popular, a imágenes de Oriente, y también abordó el ámbito del drama cotidiano y la esfera lírico-psicológica; Pero el talento de Rimsky-Korsakov se reveló más plenamente en obras relacionadas con el mundo de la fantasía y diversas formas del arte popular ruso. Un cuento de hadas, una leyenda, una epopeya, un mito, un ritual determinan no solo el tema, sino también el significado ideológico de la mayoría de sus obras. Al revelar el subtexto filosófico de los géneros folclóricos, Rimsky-Korsakov revela la cosmovisión de la gente: su sueño eterno de una vida mejor, de felicidad, encarnado en imágenes de brillantes países y ciudades de cuentos de hadas (el reino de Berendee en "La nieve Maiden”, la ciudad de Lollipop en “El cuento del zar Saltan”); sus ideales morales y estéticos, personificados, por un lado, por las cautivadoras heroínas puras y gentiles de las óperas (la Princesa en "Kashchei el Inmortal"), por el otro, por cantantes legendarios (Lel, Sadko), estos símbolos de inmarcesibilidad arte popular; su admiración por el poder vivificante y la belleza eterna de la naturaleza; Finalmente, la fe indestructible del pueblo en el triunfo de las fuerzas de la luz, la justicia y el bien es la fuente del optimismo inherente a la obra de Rimsky-Korsakov.

Las características del estilo y el método artístico del compositor se revelaron más plenamente en creatividad operística. Las 15 óperas de Rimsky-Korsakov representan una extraordinaria variedad de soluciones de género, dramáticas, compositivas y estilísticas. Entre ellos se encuentran obras que gravitan hacia una estructura numérica ("La noche de mayo", "La doncella de las nieves", "La novia del zar") y un desarrollo continuo ("Mozart y Salieri", "Kashchei el inmortal", "La leyenda de lo invisible"). Ciudad de Kitezh”, “Gallo de oro"); óperas con escenas de gran multitud ("Pskovite", "May Night", "Snow Maiden", "Mlada", "Sadko", "Kitezh" y sin ellas ("Mozart y Salieri", "Vera Sheloga", "Kashchei el Inmortal ) ), con conjuntos completos desarrollados (“La novia del zar”) y sin conjuntos (“Mozart y Salieri”, “El gallo de oro”). En cada caso concreto se determinan la elección del género, los principios de las soluciones dramáticas y estilísticas. por los prerrequisitos de la trama. “Nunca he creído y no creo”, enfatizó Rimsky-Korsakov, “en una sola forma operística verdadera, creyendo que por tantas tramas como haya en el mundo, debería haber tantas (casi tantas) formas operísticas independientes correspondientes.. Si bien afirmó la visión de la ópera como una obra principalmente musical, Rimsky-Korsakov al mismo tiempo exigió mucho su base poética, su unidad y su coherencia de estilo literario. Dirigió activamente el trabajo de los libretistas. El propio compositor escribió varios libretos de ópera.

La obra sinfónica de Rimsky-Korsakov no es tan amplia ni diversa en comparación con la ópera. Sin embargo, hizo una contribución brillante y original en este ámbito. La concreción imaginativa del pensamiento musical del compositor determinó su inclinación por el sinfonismo programático (principalmente pictórico, visual) y de género (asociado con temas de canciones y danzas populares). De ahí la elección característica de géneros y formas - obertura (fantasía), imagen sinfónica, suite y una cierta dirección de estilo - una tendencia a la variación, ornamentación en el desarrollo del material, atención especial a las posibilidades coloristas de armonía y orquestación.

Rimsky-Korsakov dejó un enorme legado creativo en casi todos los géneros musicales. Sus obras son variadas en contenido, pero su característica principal es penetración profunda en la vida y el modo de vida de la gente, sus pensamientos y aspiraciones.

El genio Piotr Ilich Tchaikovsky (1840-1893)

Entre los compositores clásicos rusos destaca el nombre de Tchaikovsky. Es querido por los amantes de la música de todo el mundo. Sus obras cautivan y emocionan por igual a todas las personas: músicos profesionales y público en general. Tchaikovsky dedicó su obra al hombre, su amor por la Patria y la naturaleza rusa, sus aspiraciones de felicidad y la valiente lucha contra las fuerzas oscuras del mal. La música del compositor contiene toda la vida de una persona con su alegría, tristeza, esperanzas, lucha, desesperación. Y no importa de qué hable Tchaikovsky, siempre es veraz y sincero.

El estilo musical de Tchaikovsky se desarrolló en el contexto de las ideas poco convencionales del compositor sobre la naturaleza de la identidad nacional. En su interpretación de lo “nacional” y lo “popular”, siguió un camino diferente al de los partidarios del “kuchkismo”. El folklore ruso no era para él una fuente universal, la base fundamental del lenguaje musical. Con la ayuda de entonaciones de canciones populares generalizadas y mediadas, Tchaikovsky encarnó la imagen nacional de "rusidad", Rusia, la realidad rusa en su versatilidad moderna. Por lo tanto, el compositor no se propuso utilizar géneros específicos del auténtico folclore campesino en la música, sino que recurrió al "vocabulario de entonación" de la vida musical urbana que lo rodeaba. Las entonaciones urbanas familiares, combinadas con la apertura emocional, la sinceridad y la melodía, hicieron que la música de Tchaikovsky fuera comprensible y accesible para el público más amplio tanto en Rusia como en el extranjero. Por eso las obras de Tchaikovsky rápidamente se ganaron la simpatía de los europeos y contribuyeron al reconocimiento internacional de la música rusa en todo el mundo.

Tchaikovsky escribió en casi todos los géneros y en cada uno de ellos dijo su nueva palabra como artista brillante. Pero tal vez su género favorito fuera ópera.En él, Tchaikovsky emergió como un verdadero reformador. El compositor imaginó la ópera como el género más democrático. "Ópera", escribió, "y sólo la ópera te acerca a la gente, acerca tu música al público real..." La acción de la ópera se basa en fuertes sentimientos y experiencias humanas. Tchaikovsky prestó gran atención al contenido de sus óperas, dando siempre preferencia a una trama de la vida rusa, ya que era al pueblo ruso al que realmente conocía y entendía bien.

Una de las mejores obras de Tchaikovsky. ópera "Eugene Onegin".Mucho antes de decidirse a escribir una ópera basada en la trama de “Eugene Onegin”, Tchaikovsky se interesó apasionadamente por los poemas de Pushkin. Una de sus partes favoritas de la novela poética era la carta de Tatiana a Onegin, y el compositor soñaba con componer música con estas palabras. La primera representación de la ópera, a petición del compositor, tuvo lugar por estudiantes del Conservatorio de Moscú bajo la dirección de N. Rubinstein el 17 de marzo de 1879.

Tchaikovsky llamó a su ópera “escenas líricas”. El compositor centró toda su atención en revelar el mundo interior y espiritual de sus héroes.

La ópera "Eugene Onegin" es uno de los mayores logros del ruso. arte de la ópera. Las imágenes veraces de la novela de Pushkin ayudaron a resolver el problema de crear un "drama íntimo pero poderoso", cuyos personajes eran "personas vivas reales". El drama personal de los personajes se desarrolla en el contexto de imágenes cotidianas. Varias escenas cotidianas confieren a la ópera un encanto especial.

La innovación de "El lago de los cisnes", su singularidad y su diferencia con todo lo anterior, aunque no se entendió completamente de inmediato, fue inmediatamente notada tanto por el público como por los críticos, aunque a veces causó desconcierto entre los amantes de la música ilustrados. Algunos reprocharon al compositor la pobreza de su imaginación creativa, la monotonía de temas y melodías y cierta monotonía. Otros pensaban que la música era hermosa, incluso demasiado buena para el ballet. Sin embargo, el estreno del ballet en el Teatro Bolshoi de Moscú (20 de febrero de 1877) fue un éxito y la representación permaneció en el repertorio hasta 1883, cuando la escenografía de esta producción cayó en completo deterioro.

La primera reseña en la prensa, donde se apreció la creación de un nuevo ballet, perteneció a G.A. Laroche: “En términos musicales, “El lago de los cisnes” es el mejor ballet que he escuchado... Las melodías, una más plástica, más melodiosa y más cautivadora que la otra, brotan como de una cornucopia; El ritmo de vals que prevalece entre los números de baile está plasmado en tal variedad de patrones elegantes y cautivadores que nunca la imagen melódica de un compositor talentoso y versátil ha resistido una prueba más brillante...”

Al mismo tiempo, la música sinfónica también ocupa un lugar importante en la obra de Tchaikovsky. Escribió seis sinfonías y el programa sinfónico “Manfred”, tres conciertos para piano y orquesta, uno para violín y varias suites orquestales. De las obras sinfónicas de un solo movimiento, destacan especialmente la fantasía "Francesca da Rimini" y las obras programadas basadas en las tramas de Shakespeare (obertura-fantasía "Romeo y Julieta", fantasía "La tempestad").

La gama de intereses creativos del compositor es inusualmente amplia. Su legado incluye diez óperas (Eugene Onegin, Ondina, El herrero Vakula, La dama de picas, etc.), tres ballets (El lago de los cisnes, La bella durmiente, El cascanueces), siete sinfonías, más de diez obras orquestales, conciertos instrumentales, corales y música de piano, obras de cámara y vocales. En todos los campos, Tchaikovsky fue un innovador, aunque nunca buscó ser un reformista. Utilizando géneros tradicionales, el compositor encontró oportunidades para actualizarlos.

“Me gustaría con todas las fuerzas de mi alma”, escribió Tchaikovsky, “que mi música se difunda, para que aumente el número de personas que la aman, que encuentran en ella consuelo y apoyo”.. El deseo del compositor se hizo realidad.

La obra de Tchaikovsky es el pináculo de la cultura musical mundial del siglo XIX: un manantial precioso y siempre vivo en el que los compositores del siglo XX y nuestros contemporáneos nunca dejan de inspirarse.

Conclusión

El siglo XIX dio a la música rusa y mundial obras maravillosas. "Ruslan y Lyudmila" e "Ivan Susanin", "Eugene Onegin" y "El lago de los cisnes" son el orgullo de la cultura rusa. El fondo de oro de la música rusa incluye obras de Borodin, romances de Balakirev, Rimsky-Korsakov, Borodin, Cui.

Los compositores rusos comenzaron a viajar al extranjero. Allí se comunicaron con destacados maestros del arte musical y, lo más importante, recibieron una educación musical europea. Rusia despertó un interés recíproco en Europa y, a lo largo del siglo, muchos músicos destacados realizaron giras por Moscú y San Petersburgo. La introducción a la cultura europea no sólo aumentó el nivel intelectual y nivel profesional compositores e intérpretes rusos, sino que también les ayudó a comprender mejor las tradiciones de la música nacional y a conocerse mejor a sí mismos.

¿Quién es el compositor ruso favorito de Estados Unidos en estos días? Por supuesto, Chaikovski. Muchos estadounidenses incluso consideran a Piotr Ilich un compositor estadounidense. Estaba dirigiendo sus obras en Estados Unidos cuando fue invitado a la inauguración del famoso Carnegie Hall de Nueva York. Su música se escucha casi a diario en la radio de Estados Unidos, especialmente la cuarta y sexta sinfonías y el primer concierto para piano. El ballet favorito de Estados Unidos es El Cascanueces.

La obra de los compositores clásicos Glinka, Dargomyzhsky, Borodin, Rimsky-Korsakov, Tchaikovsky es un verdadero tesoro de la cultura rusa del siglo XIX. Sus tradiciones encontraron implementación y desarrollo en las obras de los compositores de finales del siglo XIX y principios del XX: Taneyev y Glazunov, Lyadov y Arensky, Kalinikov, Scriabin y Rachmaninov. Todos ellos son dignos sucesores de sus grandes predecesores.

En mi trabajo de curso mostré el desarrollo musical de Rusia en el siglo XIX, analicé el estado de la cultura musical, identifiqué sus características, hablé sobre los compositores de este siglo y sus obras, y también revelé el significado de la música rusa del siglo XIX. siglo para la cultura mundial.

La cultura musical rusa del siglo XIX, al fusionarse con la cultura europea, a través de su transformación, adquirió original características especiales y comenzó, a su vez, a tener una influencia significativa en él, desarrollándose hasta el día de hoy.

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7.www.rimskykorsakov.ru

Anexo 1

Gurilev, Varlamov, Alyabyev, Verstovsky

Fiódor Ivánovich Glinka

Boceto del traje de Svetozar. Ópera "Ruslan y Lyudmila"

Apéndice 2

Peter Ilich Tchaikovsky

Ballet “El Cascanueces” con la participación de actores del Teatro Bolshoi.

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La historia de la música rusa, como la historia de las tradiciones y la moral rusas, es el resultado de una larga evolución de siglos, durante la cual se formaron y desarrollaron los logros culturales individuales. Tales logros, por supuesto, incluyen la rica herencia de la cultura musical rusa, que incluye el folclore, las obras de compositores rusos de fama mundial, la libre creatividad de los bardos, así como el estilo nacional especial del romance ruso.
La historia de la música rusa comienza con el desarrollo de la cultura popular de las antiguas comunidades eslavas que se asentaron en las tierras. Rus de Kiev. Gran cantidad La creatividad nacional en forma de canciones populares, que han sobrevivido hasta el día de hoy, lleva un tono característico de paganismo junto con las tradiciones cristianas. Los rasgos característicos de la música folclórica rusa sirvieron. base principal, sobre el que se construyó toda la creatividad musical rusa del futuro.
La música folclórica rusa se divide en muchos géneros, entre los cuales el más antiguo es el género de la canción. Los cantos eran muy diversos, por ejemplo, cantos rituales, cantos nupciales y de danza, cantos épicos y narrativos, cantos líricos y dramáticos. Y casi toda la música folclórica antigua era predominantemente canción, lo que los expertos asocian con la prohibición existente de instrumentos musicales en la iglesia (entre los pueblos católicos, por el contrario, la iglesia era el centro desarrollo historico cultura musical). Por tanto, los instrumentos musicales tenían uso doméstico o personaje popular. Los artesanos famosos en el arte de la música fueron los pastores de Bali que tocaban el arpa, la flauta y los cuernos.
Además de estos instrumentos, las historias antiguas también mencionan panderetas y cuernos de caza naturales.
En la Edad Media, los artistas públicos y músicos, llamados bufones, eran perseguidos y sus instrumentos musicales, y otros, eran destruidos por todas partes; Por lo tanto, hasta el día de hoy han sobrevivido literalmente unos pocos instrumentos medievales. Sin embargo, instrumentos como la guitarra de siete cuerdas, la mandolina y el acordeón (llamado acordeón ruso o acordeón de botones) están asociados con la creatividad musical rusa. Pero debes saber que cien instrumentos similares entraron en la cultura rusa sólo en los siglos XVIII y XIX. Y ya en el siglo XIX se creó la primera orquesta en la historia de la música rusa, compuesta únicamente por instrumentos folclóricos rusos. La música, que más tarde se conoció como música clásica rusa, se caracterizó por las obras de compositores de fama mundial como M. I. Glinko, M. P. Mussorgsky, Rimsky-Korsokov, Borodin, Chaliapin, Tchaikovsky, Rachmaninov, etc., y entre los compositores soviéticos se incluyen los nombres no menos famosos de Khachaturian, Prokofiev, Shostakovich, Schnittke. A diferencia de la música rusa, los clásicos occidentales tienden a interpretarse dentro del mismo estilo. No se puede decir lo mismo de los autores rusos: cada uno de ellos se distingue por un carisma musical único y una autoría profundamente expresada.
Entre los increíbles intérpretes de ópera, se puede destacar especialmente a Chaliapin, un cantante que tenía un timbre de voz tan increíble que, según los rumores, una vez se fue de vacaciones a Crimea y logró romper en un solo vaso una copa de champán que le ofrecieron. de las grutas de montaña locales por el Príncipe Lev Golitsin.
Desgraciadamente, muchos clásicos de la música rusa se vieron obligados a emigrar tras el golpe de Estado perpetrado por las autoridades soviéticas en 1917. Sin embargo, continuaron creando desde el extranjero.
Ya a finales del período soviético, las actuaciones pop populares se estaban extendiendo en Rusia, cuyos representantes más brillantes fueron los vivos A. Pugacheva, V. Leontyev, I. Kobzon, Leshchenko, Rotaru y muchos, muchos otros. A finales del siglo XX, la música popular rusa se desarrolló siguiendo líneas occidentales y es popular principalmente entre la población de habla rusa. En el campo musical occidental, los cantantes rusos rara vez logran alcanzar alturas de clase mundial, y en el idioma ruso ha surgido una abreviatura especial para el movimiento musical popular fácil de pensar, que suena a pop.
La historia de la música rusa, que contiene grandes obras, es parte integral del patrimonio nacional. Los mentores experimentados siempre esperan con esperanza que los jóvenes talentos se conviertan en grandes y entren en la historia de la música rusa, como lo hicieron los grandes compositores.