Datos interesantes sobre la forma musical del rondó. ¿Qué es Rondó?

rondó; a veces la forma verso rondó, según la tradición francesa, también se llama “rondeau”, con énfasis en la última sílaba).

El rondó pareado era una de las formas favoritas de los clavecinistas franceses: J. Chambonnière, F. Couperin, J-F. Ramo y otros. La mayoría de ellos son programas de teatro, generalmente miniaturas, de naturaleza muy diferente. Estos compositores también escribieron danzas de esta forma. El rondó es poco común en el barroco alemán. A veces se utiliza en los finales de conciertos (J. S. Bach. Concierto para violín en mi mayor, 3er movimiento). En las suites esto suele ser una imitación. estilo francés(en un grado u otro) o danzas de origen francés (J. S. Bach. Paspier de la Suite inglesa e-moll).

La duración del formulario varía. La norma es de 5 o 7 partes. Mínimo - 3 partes (F. Couperin. “Le Dodo, ou L’Amour au berceau” y “Les Barricades Mystérieuses”). El número máximo conocido de partes (en principio para un rondó) es 17 (Passacaglia de F. Couperin).

El estribillo establece el tema principal (casi siempre el único en toda la obra), su papel dominante se expresa fuertemente. Por lo general, está escrito de forma compacta, con una textura homofónica y tiene carácter de canción. En la mayoría de los casos es cuadrático (incluso en J. S. Bach) y tiene la forma de un punto.

Los estribillos posteriores siempre están en la tonalidad principal. Apenas cambia, el único cambio normativo es la negativa a repetir (si fue en la primera interpretación del estribillo). La variación del estribillo es extremadamente rara.

Los versos casi nunca contienen material nuevo; desarrollan el tema del estribillo, destacando su estabilidad. En la mayoría de los casos, se produce una de dos tendencias: pequeñas diferencias entre los versos o el desarrollo intencionado de los versos, la acumulación de movimiento en la textura.

Forma de concierto vintage

Esta forma no es una de las formas rondó, aunque se basa en el mismo principio. Se diferencia fundamentalmente del rondó por cambios a gran escala en el primer tema (aquí, el ritornello) durante sus repetidos retornos: todos ellos (excepto el final) están transpuestos, a menudo interpretados en forma abreviada. En este caso se consigue una dinámica de desarrollo que no es típica de un rondó, superando en ocasiones incluso la dinámica forma sonata de los clásicos.

Rondo en la obra de C. F. E. Bach

Como ilustración de lo dicho se puede citar el diagrama Rondo de C. F. E. Bach en si mayor para clavier. La primera línea es el tipo de sección (P - estribillo, EP - episodio), la segunda - el número de compases, la tercera - la forma local de la sección, la cuarta - la tonalidad de la sección, la quinta - la analogía de las secciones de la obra con secciones de la forma sonata (GP - parte principal, PP - parte lateral):

EP 1

PE²

PE³

EP 4

EP 5
(PE²)

EP 6

P 1

EP 7
(PE 3, 4)

8+4+8

8+8

4+8

4+4

8+25

8+16+14+19

3 cucharaditas

período

c-B

B-Es

c-E

(GP)

(PÁGINAS)

(PP²)

(GP)

(PP²)

Rondó de la época clásica.

El esquema de este formulario es el siguiente:

A	-	mover	-	B	-	mover	-	A
t		→		No		→		t

Esta estructura se llama rondó extraño(en base al número de temas realizados, sin contar movimientos). En ocasiones una obra puede terminar con un segundo tema (B), esta estructura se llama incluso rondó:

mover

B 1

→

El formulario puede continuar y finalizar con el tema principal:

mover

B 1

mover

→

El rondó de dos temas se utiliza principalmente en música lenta de carácter lírico (partes lentas de ciclos, nocturnos, romances, etc.) y en música motora animada, a menudo de género-danza (finales de ciclos, estudios, obras de teatro individuales, etc. ).

El tema principal (primer) generalmente se escribe en una forma simple, generalmente en una forma simple de dos partes. Se presenta consistentemente en la tonalidad principal y tiene una cadencia clara.

El segundo tema, en un grado u otro, contrasta con el primero y tiene un significado independiente. Temáticamente se puede derivar del principal. En la mayoría de los casos es estable, pero también puede ser inestable. A menudo, el segundo tema está escrito en forma simple de dos partes, con menos frecuencia en forma de punto.

A veces se puede omitir uno de los movimientos (normalmente un movimiento adelantado). Los movimientos pueden tener su propio material temático o desarrollar el material temático.

El tipo más común es el siguiente:

→

Las designaciones tonales son convencionales (para episodios), aunque el plan tonal que se muestra en el diagrama es más común.

A veces, uno de los pasajes del estribillo puede perderse durante la repetición (Haydn. Sinfonía n.º 101 en re mayor, 4.º movimiento).

La estructura de este tipo de rondó tiene proporciones diferentes y mayores. La sección inicial del formulario (ABA) se percibe de manera diferente: ahora ya es una sección de exposición completa. En la mayoría de los casos, no hay ningún movimiento antes del episodio central (C) para separarlo más claramente de las secciones de exposición y repetición. El contraste entre el estribillo y el episodio central es mayor que entre el estribillo y el primer episodio: el personaje cambia a menudo (por ejemplo, de una danza en movimiento a un canto y una lírica).

Introducción

1) Propósito del estudio– determinación de la forma del III movimiento de la sonata A-DurB.A. Mozart.

Tarea– Analizar lógicamente la obra, estudiar y determinar la forma de la obra.

Método de investigación - trabajar con notación musical, estudiar literatura científica teórica.

Definición y características de la forma.

Principio básico del rondó. El nombre “rondó” (círculo) se da a las formas en las que se alternan presentaciones repetidas del tema principal con episodios. A diferencia de las formas de dos partes, tres partes, tres o cinco partes, el rasgo definitorio de un rondó no es ni el número total de partes ni su estructura interna. Este signo radica en la disposición de las piezas, su orden específico. El principio del rondó se puede caracterizar brevemente de la siguiente manera: alternancia de lo diferente con lo inmutable. De esto se deduce que las partes que se encuentran entre los temas deben ser diferentes cada vez. De esto se sigue también que el rondó en su forma normativa contiene un doble contraste:

· tema y episodio

· episodios entre sí.

Los conceptos de diferente e inmutable deben interpretarse con flexibilidad, dependiendo de la naturaleza general de las obras y las características del estilo. Lo que en algunos casos debería considerarse “diferente”, en otros cumple la función de lo que no ha cambiado fundamentalmente, pero ha sufrido más o menos modificaciones.

Al igual que otras formas de repetición, el rondó se crea mediante la interacción de dos principios de creación de formas: repetición y contraste. Pero, a diferencia de estas formas, ambos principios operan aquí repetidamente. Por tanto, desde el punto de vista de los principios generales, un rondó debe definirse como una serie de contrastes, cada vez cerrados por repetición, o, por el contrario, como un restablecimiento repetido de un equilibrio alterado. Es aquí donde surge la posibilidad de definir un rondó como una forma en la que el tema principal ocurre al menos tres veces.

El significado de la forma, incluido en su principio básico, es doble. Consiste, por un lado, en la afirmación insistente de la idea principal: el “estribillo”, y por otro, en la introducción consecuente de la diversidad. La variabilidad de las partes secundarias realza la estabilidad del tema principal; al mismo tiempo, la sucesión de episodios produce una impresión especialmente favorable en el contexto de las repeticiones del mismo tema. La forma, por tanto, tiene dos caras artísticas y su valor estético especial reside en la fusión de cualidades opuestas pero complementarias.

La naturaleza de dos caras de la forma rondó también se puede describir desde un punto de vista procesal: en el rondó actúan dos fuerzas, una de las cuales tiende a alejarnos del centro en direcciones que no coinciden; otra fuerza se esfuerza por devolvernos al centro inmutable. Se produce así una lucha entre tendencias centrífugas y tendencias centrípetas, con el triunfo alternativo de unas u otras.

Rondó se abstiene. El estribillo merece especial atención. Al aportar unidad a la forma, el estribillo, según Asafiev, es un “hito mnemotécnico” que orienta al oyente entre la diversidad. Esta definición enfatiza no solo el papel constructivo, sino también comunicativo del estribillo. En el mismo lugar, el autor señala las funciones opuestas contenidas en el estribillo: el principio de identidad desempeña no sólo un papel unificador, sino también orientador. "Él es a la vez un estímulo y un freno, un punto de partida y una meta del movimiento". La formulación anterior es una de las manifestaciones sorprendentes del patrón dialéctico establecido por Asafiev: la transformación mutua del impulso inicial y el cierre. Desarrollando esta idea, vale la pena señalar el polifuncionalismo único inherente al tema principal del rondó: el estribillo representa un caso excepcional en el que un pensamiento musical está dotado alternativamente de una función inicial, intermedia y final. Esta multiplicidad de posiciones y roles debe reflejarse al componer el estribillo. Por lo tanto, debe tener las características de "iniciativa" (definición de introducción, entonación claramente definida). ) y al mismo tiempo - integridad (buen final de cadencia, predominio general de estabilidad, integridad métrica). Sin embargo, no se debe exagerar ni lo uno ni lo otro. De lo contrario, el estribillo será “unilateral”, lo que complicará la apariencia del episodio o las introducciones posteriores de estribillos pueden ser tenidas en cuenta por el compositor en mayor o menor medida.

Evolución de la forma Rondo

Hay tres períodos de desarrollo de Rondo:

Rondó antiguo (pareado);

Rondó de la época clásica:

1) Rondo pequeño (simple y doble oscuro).

2) Gran rondó (rondó regular con repetición de temas secundarios, rondó irregular, forma sonata con un episodio en lugar de desarrollo.

Rondó posclásico.

Históricamente, todos los tipos de rondó se sucedieron, introduciendo cambios en dos direcciones:

1. La relación figurativo-temática entre el estribillo y los episodios;

2. Estructurales y cuantitativos.

Por tanto, es más lógico (habiendo esbozado el marco histórico de cada uno de los 3 tipos de rondó) dar características comparativas, según las instrucciones indicadas anteriormente. Así se determina el nivel de “calidad” del rondó:

· Similitud o contraste temático entre el estribillo y los episodios. El pensamiento musical ha evolucionado desde la monotonía y la homogeneidad figurativa del material en el rondó en verso, pasando por las relaciones contrastantes, matizadas y complementarias de las secciones en el rondó clásico, y la autonomía e incluso el eclipsamiento del estribillo del contraste de los episodios en el rondó posclásico. rondó. Al final resultó que, la autoridad del estribillo de los clavecinistas franceses y alemanes se basaba en una simple repetición periódica e inmutable. Los clásicos vieneses reforzaron el significado del estribillo contrastando su relación con varios episodios. Pero los románticos y los compositores posteriores trataron el estribillo como una fuente de una galería de imágenes y un componente conector de toda la composición, por lo que permitieron cambios en el estribillo.

· Plan tonal y “uniones” del episodio con el estribillo. Al mismo tiempo, fueron los clásicos quienes lograron introducir un movimiento interno y un proceso dinámico (a veces modesto, pero en Beethoven es muy destacado). Los románticos y otros compositores de los siglos XIX y XX también utilizaron esto en sus composiciones y, en cierto modo, fueron más allá. Como resultado, se necesitaba un código.

Lo que se entiende por nivel “cuantitativo” es:

1. Número de piezas;

2. Estructura del estribillo y episodios.

Rondó antiguo (verso)

El nombre proviene de la palabra francesa dístico, que los compositores del siglo XVIII utilizaban para marcar secciones de las partituras que llamamos episodios. El estribillo se llamaba “rondeau” (rondeau francés; a veces la forma del verso rondeau, según la tradición francesa, también se llama “rondeau”, con énfasis en la última sílaba).

El rondó pareado era una de las formas favoritas de los clavecinistas franceses: Chambonnière, F. Couperin, Rameau y otros. La mayoría de ellos son programas de teatro, generalmente miniaturas, de naturaleza muy diferente. Estos compositores también escribieron danzas de esta forma. El rondó es poco común en el barroco alemán. A veces se utiliza en los finales de conciertos (J.S. Bach. Concierto para violín en mi mayor, 3er movimiento). En las suites, esto suele ser una imitación del estilo francés (en un grado u otro) o de bailes de origen francés (J.S. Bach. Passpier de la suite inglesa e-moll).

La duración del formulario varía. La norma es de 5 o 7 partes. Mínimo – 3 partes (F. Couperin. “Le Dodo, ou L’Amour au berceau”). El número máximo conocido de partes (en principio para un rondó) es 17 (Passacaglia de F. Couperin).

El estribillo establece el tema principal (casi siempre el único en toda la obra), su papel dominante se expresa fuertemente. Por lo general, está escrito de forma compacta, con una textura homofónica y tiene carácter de canción. En la mayoría de los casos es cuadrado (incluso en J.S. Bach) y tiene la forma de un punto.

Rondó de la época clásica.

Rondó en la música clásicos vieneses ocupa mucho espacio. Después de F.I. Bach, esta forma volvió a adquirir equilibrio y armonía. Las partes de un rondó clásico están estrictamente reguladas y la libertad es mínima. Esta comprensión de la forma corresponde al concepto de un mundo armonioso y razonablemente ordenado, común a los clásicos.

El alcance del rondó durante este período son las partes finales o lentas de los ciclos (es decir, partes donde la estabilidad, la integridad y la falta de conflicto son importantes). Menos comunes son las piezas individuales en forma de rondó (Beethoven. Rondo “Rage for a Lost Penny”).

Según la cantidad de temas, hay rondó pequeños (1 o 2 temas) y rondó grandes (3 temas o más). Estos tipos se enumerarán a continuación. Cabe señalar que en la teoría europea del siglo XIX y principios del XX (A.B. Marx y sus seguidores, incluidos los rusos) había 5 formas de rondó. A continuación se indicará a qué forma de rondó según Marx corresponde cada tipo.

Pequeño rondó monotemático

La estructura de este tipo de formulario tiene una presentación del tema y su repetición, conectados por un movimiento modulador).

La principal cualidad de esta forma, que permite clasificarla como forma rondó, es la presencia de un movimiento. Esta forma en su forma pura es rara; a menudo surge nuevo material temático (e imágenes) dentro del curso, lo que acerca el conjunto a un rondó de dos temas.

El tema suele presentarse en una forma simple de dos partes, lo que determina el significado independiente del movimiento (y no su papel central), con menos frecuencia en una forma simple de tres partes o en un punto (en este caso el movimiento tiene dimensiones mucho mayores que el tema).

Las jugadas independientes de esta forma son raras.

· L. van Beethoven. Bagatela, op. 119 (el tema es una forma simple de dos partes sin repetición).

· R. Schumann. Novella No. 2 D-dur (el tema es punto, el movimiento dura 74 compases).

Probablemente alguna vez te hayas encontrado con conceptos filosóficos como forma y contenido. Estas palabras son lo suficientemente universales como para denotar aspectos similares de la mayoría diferentes fenómenos. Y la música no es una excepción. En este artículo encontrará una descripción general de las formas más populares de obras musicales.

Antes de nombrar las formas comunes de las obras musicales, definamos ¿qué es una forma en la música? La forma es algo que se relaciona con el diseño de una obra, con los principios de su estructura, con la secuencia del material musical que contiene.

Los músicos entienden la forma de dos maneras. Por un lado, la forma es diagrama Disposición de todas las partes de una composición musical en orden. Por otra parte, la forma no es sólo un diagrama, sino también proceso la formación y desarrollo en una obra de aquellos medios expresivos mediante los cuales se crea la imagen artística de esta obra. ¿Qué tipo de medios expresivos son estos? Melodía, armonía, ritmo, timbre, registro, etc. La justificación de esta doble comprensión de la esencia de la forma musical es mérito del científico, académico y compositor ruso Boris Asafiev.

Formas de obras musicales.

Las unidades estructurales más pequeñas de casi cualquier obra musical son motivo, frase y oración. Ahora intentemos nombrar las principales formas de obras musicales y darles breves características.

Período- éste es uno de formas simples, que es una presentación de un pensamiento musical completo. Ocurre con frecuencia tanto en música instrumental como vocal.

La duración estándar de un período es de dos frases musicales que ocupan 8 o 16 compases (períodos cuadrados), en la práctica hay períodos tanto más largos como más cortos. El período tiene varias variedades, entre las que un lugar especial lo ocupa el llamado “período de tipo de implementación” y “período difícil”.

Formularios simples de dos y tres partes. - estas son formas en las que la primera parte, por regla general, está escrita en forma de punto, y el resto no lo supera (es decir, para ellos la norma es también un punto o una oración).

La parte media (parte media) de una forma de tres partes puede contrastar en relación con las partes extremas (mostrar una imagen contrastante ya es una cuestión muy seria). dispositivo artístico), o tal vez desarrollar, desarrollar lo dicho en la primera parte. En la tercera parte de una forma de tres partes, es posible repetir el material musical de la primera parte; esta forma se llama repetición (la repetición es repetición).

Formas de verso y coro - Se trata de formas que están directamente relacionadas con la música vocal y su estructura suele asociarse a las características de la música poética.

La forma en verso se basa en la repetición de la misma música (por ejemplo, punto), pero con letras nuevas cada vez. En la forma de coro principal hay dos elementos: el primero es el líder (tanto la melodía como el texto pueden cambiar), el segundo es el coro (como regla general, en él se conservan tanto la melodía como el texto).

Formas complejas de dos partes y complejas de tres partes – estas son formas que se componen de dos o tres formas simples (por ejemplo, una simple de 3 partes + punto + una simple de 3 partes). Las formas complejas de dos partes son más comunes en la música vocal (por ejemplo, algunas arias de ópera están escritas en tales formas), mientras que las formas complejas de tres partes, por el contrario, son más típicas de música instrumental(esta es una forma favorita para el minueto y otros bailes).

Una forma compleja de tres partes, como una simple, puede contener una repetición y, en la parte media, nuevo material(la mayoría de las veces esto es lo que sucede), y la parte media en este formulario es de dos tipos: "como un trío"(si es algún tipo de forma simple y delgada) o "tipo de episodio"(si en la parte media hay construcciones libres que no obedecen ni a la forma periódica ni a ninguna de las simples).

Forma de variación - esta es una forma construida sobre la repetición del tema original con su transformación, y debe haber al menos dos de estas repeticiones para que la forma resultante de una obra musical se clasifique como variacional. La forma de variación se encuentra en muchas obras instrumentales y no menos a menudo en las composiciones de autores modernos.

Hay diferentes variaciones. Por ejemplo, existe un tipo de variación como las variaciones sobre un tema ostinato (es decir, inmutable, sostenido) en melodía o bajo (el llamado soprano-ostinato y bajo-ostinato). Hay variaciones figurativo, en el que, con cada nueva implementación, el tema se colorea con diversas decoraciones y se fragmenta progresivamente, mostrando sus lados ocultos.

Hay otro tipo de variación: variaciones características, en el que cada nuevo tema tiene lugar en un nuevo género. A veces, estas transiciones a nuevos géneros transforman enormemente el tema; imagínese, el tema puede sonar en la misma obra como una marcha fúnebre, un nocturno lírico y un himno entusiasta. Por cierto, puedes leer algo sobre géneros en el artículo.

Como ejemplo musical variaciones que le invitamos a familiarizarse con muy obra famosa el gran Beethoven.

L. van Beethoven, 32 variaciones en do menor

Rondó– otra forma muy extendida de obras musicales. Probablemente sepas que la palabra traducida del francés al ruso "rondo" significa "círculo". Esto no es una coincidencia. Érase una vez, el rondó era un baile circular grupal, en el que la diversión general se alternaba con los bailes de solistas individuales; en esos momentos iban al centro del círculo y mostraban sus habilidades.

Entonces, musicalmente hablando, un rondó se compone de partes que se repiten constantemente (las generales, se llaman se abstiene) y episodios individualizados que suenan entre estribillos. Para que se produzca la forma rondó, el estribillo debe realizar al menos tres veces.

forma sonata , ¡así que llegamos a ti! La forma sonata, o, como a veces se la llama, forma sonata allegro, es una de las formas más perfectas y complejas de obras musicales.

La forma sonata se basa en dos temas principales: uno de ellos se llama "principal"(el que suena primero), el segundo - "lado". Estos nombres significan que uno de los temas está en clave principal, y el segundo en clave secundaria (dominante, por ejemplo, o paralela). Juntos, estos temas pasan por varias pruebas durante el desarrollo y luego, en la repetición, generalmente ambos suenan en el mismo tono.

La forma sonata consta de tres secciones principales:

exposición (presentación del primer, segundo y otros temas al público);
desarrollo (la etapa en la que desarrollo intensivo);
repetición (aquí se repiten los temas presentados en la exposición, y al mismo tiempo se produce su convergencia).

A los compositores les encantó tanto la forma de sonata que, a partir de ella, crearon otra. toda la linea formas que se diferencian del modelo principal en varios parámetros. Por ejemplo, podemos nombrar variedades de forma sonata como sonata rondó(mezclando forma de sonata con rondó), sonata sin desarrollo, sonata con un episodio en lugar de desarrollo(¿Recuerda lo que dijeron sobre un episodio en una forma compleja de tres partes? Aquí cualquier forma puede convertirse en un episodio; a menudo son variaciones), forma de concierto (Con exposición doble– para el solista y la orquesta, con la cadencia virtuosa del solista al final del desarrollo antes del inicio de la repetición), sonatina(pequeña sonata), poema sinfónico(lienzo enorme).

Fuga- esta es la forma que alguna vez fue la reina de todas las formas. Hubo un tiempo en que la fuga se consideraba la forma musical más perfecta y los músicos todavía tienen una actitud especial hacia las fugas.

La fuga se basa en un tema, que luego se repite muchas veces sin cambios en diferentes voces (en diferentes instrumentos). La fuga comienza, por regla general, con una sola voz e inmediatamente con el tema. Otra voz responde inmediatamente a este tema, y lo que suena durante esta respuesta del primer instrumento se llama contrasuma.

Mientras el tema circula a través de diferentes voces, la sección expositiva de la fuga continúa, pero tan pronto como el tema ha pasado por cada voz, comienza un desarrollo en el que el tema puede no ser plenamente perseguido, comprimido o, por el contrario, ampliado. Sí, suceden muchas cosas en el desarrollo... Al final de la fuga, se restaura la tonalidad principal; esta sección se llama repetición de la fuga.

Podemos detenernos allí ahora. Hemos nombrado casi todas las formas principales de obras musicales. Hay que tener en cuenta que más formas complejas puede contener varios simples: aprenda a detectarlos. Y también a menudo Tanto las formas simples como las complejas se combinan en diferentes ciclos.– por ejemplo, se forman juntos suite o ciclo sonata-sinfónico.

RONDO (círculo) en la forma más generalizada y mediada es la idea de rotación cósmica, que ha recibido diversas encarnaciones en el arte popular y profesional. Estos incluyen danzas circulares, que se encuentran entre todos los pueblos del mundo, y la estructura del texto de una canción en verso con el mismo texto del coro, y la forma poética del rondel. En la música, las manifestaciones de ronda aparecen, quizás, de la manera más diversa y revelan una tendencia hacia la variabilidad histórica. Esto se debe a su carácter temporal. La "traducción" de una "idea" espacial al plano temporal es bastante específica y se manifiesta más claramente en el regreso repetido de un tema (sin cambios o variado, pero sin un cambio significativo de carácter) después de una música que difiere de él en un grado u otro de contraste.

Las definiciones de la forma RONDO existen en dos versiones: generalizada y más específica.

La definición generalizada es una FORMA EN LA QUE UN TEMA SE REALIZA AL MENOS TRES VECES, SEPARADO POR MÚSICA DIFERENTE DEL TEMA REPETIDO, corresponde tanto a todas las variedades históricas de rondó como a toda la variedad de formas similares a rondó, incluida la sonata rondó.

Definición específica: UNA FORMA EN LA QUE UN TEMA SE INTERPRETA AL MENOS TRES VECES, SEPARADO POR MÚSICA DIFERENTE, corresponde sólo a una parte significativa de los rondós en verso y los rondós clásicos.

El regreso repetido del tema crea una sensación de plenitud y redondez. Signos externos La rondalidad puede ocurrir en cualquier forma musical (el sonido del tema inicial en el desarrollo y coda de una forma sonata, por ejemplo). Sin embargo, en muchos casos estos retornos se producen de forma orgánica (con la tradicional repetición de la parte media y repetición de las formas de tres partes, así como en algunas otras, de las que hablaremos más adelante). La rondalidad, al igual que la variación, penetra fácilmente en una variedad de principios de formación de formas.

La primera variedad histórica, “VERSE” RONDO, se generalizó en la época barroca, especialmente en la música francesa. Este nombre aparece con bastante frecuencia en textos musicales (verso 1, versículo 2, versículo 3, etc.). La mayoría de los rondos comienzan con un EStribillo (tema repetitivo), con EPISODIOS entre sus retornos. Por lo tanto, el número de partes resulta impar, los rondos pares son menos comunes.

El verso rondó se encuentra en música de muy diferente índole, lírica, danzaria, scherzo enérgico. Esta variedad, por regla general, no contiene contrastes en relieve. Los episodios suelen basarse en una variante o un desarrollo continuo de variantes del tema del estribillo. El estribillo suele ser breve (no mas periodo) y, completando el verso, suena en la tonalidad principal. El rondó en verso tiende a tener varias partes (hasta 8-9 versos), pero a menudo se limita a las 5 partes necesarias. Sobre todo rondos de siete partes. En un número bastante grande de ejemplos, hay una repetición de los versos (episodio y estribillo) en su totalidad, excepto el último verso. En muchos rondos en verso se puede observar un aumento en la duración de los episodios (en Rameau, Couperin el plan tonal de los episodios no revela ninguna tendencia natural; pueden comenzar en la tonalidad principal y en otras tonalidades, ser armoniosos); cerrado o abierto. En los rondos de baile, los episodios pueden ser melódicamente más independientes.

En la música alemana, el rondó en verso es menos común. En I.S. Bach hay pocos ejemplos de este tipo. Pero la rondalidad se nota en la antigua forma de concierto, aunque está sujeta a un ritmo de desarrollo diferente (en el rondó en verso, el episodio gravita hacia el estribillo, "cae" en él; en la antigua forma de concierto, el tema repetido tiene varias continuaciones que surgen de él), carece de la regularidad de las cadencias estables y estructural de la claridad del rondó en verso. A diferencia del estricto “comportamiento” tonal del estribillo en la antigua forma de concierto, el tema puede comenzar en diferentes tonalidades (en los primeros movimientos de los Conciertos de Brandeburgo de Bach, por ejemplo).

Un fenómeno especial son los numerosos rondos de Philipp Emmanuel Bach. Se distinguen por una significativa libertad y audacia de los planes tonales y, de hecho, anticipan algunas características del rondó libre. A menudo, el estribillo se vuelve más desarrollado estructuralmente (formas simples), lo que lo acerca al rondó clásico, pero un mayor desarrollo se aleja de los patrones estructurales clásicos.

La segunda variedad histórica, el RONDO CLÁSICO, revela la influencia de otras formas homofónicas en él (tres partes complejas, variación, en parte sonata) y ella misma interactúa activamente con otras formas homofónicas (fue durante este período que la forma rondo-sonata tomó forma y se difunde activamente).

En la música clásica, la palabra RONDO tiene un doble significado. Este es a la vez el nombre de una FORMA-ESTRUCTURA, muy clara y definida, y el nombre de un GÉNERO de música con orígenes de canto-danza, scherzo, donde hay signos de semejanza de ronda, a veces sólo externos. La palabra RONDO, escrita en partituras, suele tener un significado de género. La estructura del rondó clásico se utiliza a menudo en un plano de género diferente, en la música lírica, por ejemplo (el rondó en la menor de Mozart, el segundo movimiento de la Sonata Patética de Beethoven, etc.).

Un rondó clásico se limita a un número mínimo de partes: tres estribillos separados por dos episodios; además, es posible una coda, a veces bastante larga (en algunos rondós de Mozart y Beethoven);

La influencia de la forma compleja de tres partes se manifiesta principalmente en el contraste brillante y en relieve de los episodios, así como en la "ampliación" de las partes; tanto el estribillo como los episodios a menudo se escriben en una de las formas simples. Se estabiliza el plan tonal de los episodios, introduciendo un contraste modo-tonal. Las más típicas son la tonalidad del mismo nombre y la tonalidad de significado subdominante (por supuesto, existen otras tonalidades).

El estribillo, aunque mantiene la estabilidad tonal como en el rondó en verso, varía mucho más a menudo, a veces variando secuencialmente. La duración del estribillo también puede cambiar, especialmente en la segunda conducción (las repeticiones de partes de una forma simple que estaban en la primera conducción pueden eliminarse o puede ocurrir una reducción a un período).

La influencia de la forma sonata se manifiesta en las conexiones en las que, por regla general, se desarrolla el tema del estribillo. La necesidad técnica de conexión surge después de un episodio no tonal. En Haydn, el papel de los ligamentos es mínimo; en Mozart y, especialmente, en Beethoven se encuentran ligamentos más desarrollados. Aparecen no sólo después de los episodios, sino que también preceden a los episodios y a la coda, alcanzando a menudo una longitud considerable.

Los Rondos de Haydn se parecen más a una forma compleja de tres a cinco partes con dos tríos diferentes. En Mozart y Beethoven, el primer episodio suele ser estructural y armónicamente abierto, y el segundo es más desarrollado y estructuralmente completo. Vale la pena señalar que la forma del rondó clásico está representada cuantitativamente por los clásicos vieneses de manera muy modesta, y aún menos a menudo tiene el nombre de rondó (el Rondo en la menor de Mozart, por ejemplo). Bajo el nombre RONDO, que tiene un significado de género, a menudo se encuentran otras formas en forma de rondó, la mayoría de las veces RONDO-SONATA, que vale la pena considerar más adelante.

La siguiente variedad histórica, FREE RONDO, integra las propiedades del verso y la música clásica. Del clásico surge un brillante contraste y desarrollo de los episodios, del verso hay una tendencia a la multipartididad y la frecuente brevedad del estribillo. Sus propias características radican en el cambio de énfasis semántico de la inmutabilidad del retorno del estribillo a la diversidad y diversidad del ciclo de la existencia. En un rondó libre, el estribillo gana libertad tonal y los episodios tienen la oportunidad de escucharse repetidamente (normalmente no seguidos). En un rondó libre, el estribillo no sólo se puede ejecutar de forma abreviada, sino que también se puede omitir, por lo que aparecen dos episodios seguidos (nuevo y “viejo”). En términos de contenido, un rondó libre a menudo se caracteriza por imágenes de una procesión, un carnaval festivo, un escenario masivo o un baile. El nombre rondo rara vez aparece. El rondó clásico está más extendido en la música instrumental, algo menos en la música vocal; el rondó libre suele convertirse en una forma de escenas de ópera extensas, especialmente en la música rusa del siglo XIX (en Rimsky-Korsakov, Tchaikovsky). La posibilidad de repetir los episodios iguala sus “derechos” con un estribillo. La nueva perspectiva significativa del rondó libre permite conservar la forma del rondó clásico (el rondó clásico ha reemplazado casi por completo al rondó pareado) y existir en la práctica artística.

Además de las variedades de rondó consideradas históricas, la característica principal del rondó (al menos tres veces el sonido de un tema, compartido por una música diferente de él) está presente en muchas formas musicales, introduciendo signos de semejanza del rondó en menor o mayor medida. de manera destacada y específica.

Hay signos de semejanza de rondó en las formas de tres partes, donde es muy típica la repetición de 1 parte y 2-3, o la repetición de 2-3 partes (tres-cinco partes). Este tipo de repeticiones son muy típicas de las formas simples, pero también se encuentran en las complejas (en Haydn, por ejemplo). Los signos de semejanza de ronda también aparecen en ciclos de variaciones dobles con presentación alternativa y variación de temas. Estos ciclos suelen terminar con el primer tema o una variación del mismo. Estos signos también están presentes en una forma tan compleja de tres partes con una repetición reducida a un período, en el que el primer movimiento fue escrito en una forma simple de tres partes con repeticiones típicas de partes (Polonesa de Chopin op. 40 No. 2, Por ejemplo). La semejanza del rondó se siente más claramente en las formas dobles de tres partes, donde los medios y las repeticiones difieren en plan tonal y/o duración. Las formas dobles tripartitas pueden ser simples (Nocturno op. 27 no. 2 de Chopin) o complejas (Nocturno op. 37 no. 2).

La manifestación más destacada y específica de la apariencia de ronda es la FORMA DE TRES PARTES CON EStribillo. El estribillo, generalmente escrito en forma de punto en la clave principal o con el mismo nombre, suena después de cada parte de la forma de tres partes, simple (Vals de Chopin op. 64 no. 2) o complejo (final de Mozart). sonata en La mayor).

Lecciones de musica

Forma musical: Rondó

El concepto de uniforme nos encontramos en la vida cotidiana: uniformes: trabajo, deportes, escuela; formas geométricas- círculo, cuadrado, rectángulo, etc. Todos lo sabemos: la forma es
Esquema de un objeto.
De él reconocemos inmediatamente:
Piloto, minero,
El doctor y el pulidor de pisos.
Cocinero, trabajador ferroviario,
Bombero y conserje. Si tienes escudos y casco,
El jugador de hockey es visible para todos.
Gorra de visera, pantalón acampanado,
Camisa de cuello,
Y debajo hay un chaleco.
Todo es de lejos entonces
Reconocen a un marinero. El uniforme nos enseña orden,
Hacemos ejercicios en él.
La música necesita una forma.
Con ella ella siempre es delgada,
Se comportan con dignidad
Contenido y forma. Un compositor se puede comparar con un arquitecto. Antes de construir un edificio, el arquitecto crea su plan, forma y diseño. El compositor también elabora un plan para el futuro trabajo musical. Para ello, cada compositor utiliza sus propias técnicas de construcción de obras musicales. Desde la antigüedad, a la gente le encantaba cantar canciones y bailar en círculos. A menudo, durante la interpretación de canciones de baile circular, el cantante principal (solista) cantaba los versos y el coro retomaba el coro. Los versos diferían en música entre sí. El coro se repitió sin cambios. El movimiento de la música parecía ser un círculo. En francés, "círculo" es "rondó". Francia es considerada la cuna del rondó. Los bailes y cantos folclóricos eran populares aquí en los viejos tiempos. La danza se llamaba rondó, que significa círculo, danza circular. La forma rondó es una forma musical que se basa en la repetición. Esta forma se basa en la repetición repetida (al menos tres veces) del tema principal, alternando con episodios de diversos contenidos. El rondó tiene el tema más importante, que se llama ABSTENERSE, se repite varias veces, alternando con nuevos temas: EPISODIOS. La forma rondó, en virtud de su expresividad, tiene una amplia gama de aplicaciones en. arte musical. Muy a menudo su uso se asocia con imágenes de carácter lúdico y humorístico. Los más famosos están escritos en forma de rondó. obras musicales, como el Rondo al estilo turco de W. A. Mozart, "Rage over a Lost Penny" de L. Beethoven, el Rondo de Farlaf de la ópera "Ruslan y Lyudmila" de M. Glinka y muchos otros.

Ludwig van Beethoven. "Rabia por un centavo perdido"

Rondó "Capriccio" en sol mayor, op. 129 es más conocido por su subtítulo, “Furia por un centavo perdido”. Cuando Beethoven tenía 25 años, escribió el rondó Capriccio, pero nunca lo tocó para sus contemporáneos. La breve pieza de cinco minutos se conoció sólo después de la muerte de Beethoven: fue encontrada entre un montón de papeles que estaban destinados a ser vendidos en una subasta. Esta divertida obra tenía un subtítulo inusual: "Rabia por un centavo perdido". La idea del subtítulo no fue del compositor, sino de su amigo Anton Schindler. El título explica la música de forma bastante elocuente. Esta escena cómica está llena de la energía inherente, la aspiración decidida y la dinámica inherentes a Beethoven. Ésta es precisamente la naturaleza del tema del estribillo, que no deja lugar a dudas de que la ira del héroe es lúdica. “Éste es un gran chiste de Beethoven”, señala el musicólogo Mikhail Kazinik, “un chiste inmortal de un genio y un atronador, escrito sólo para él. el piano. Y cada vez los pianistas compiten entre sí para ver quién lo tocará más ingenioso, más divertido, más alegre: ¿quién hará gala del mismo sentido del humor de Beethoven, aderezado con una generosa porción de rabia?…”Los musicólogos modernos comparan este rondó con un Escena-historia cómica ampliada, donde la música transmite varios episodios y situaciones contrastantes: serenidad inicial, luego descubrimiento de la pérdida, alternando esperanza y emoción. Lo que sigue es una búsqueda confusa con deambulaciones entre claves y violaciones en la composición, generando caos. Finalmente, rabia furiosa por una búsqueda infructuosa. Un efecto cómico adicional se crea mediante el contraste entre los conceptos de "rabia" y "centavo". Se trata de ira por la razón más insignificante. Al escuchar el rondó capriccio, observamos cómo su héroe, en un ataque de ira, bajo la influencia de emociones incontrolables, pierde la apariencia de una persona razonable y equilibrada. Desde los sonidos del tema inicial de polca alegre y despreocupado, la música pasa a pasajes tormentosos, trinos y arpegios en un registro bajo, que recuerdan a gruñidos indignados. Y aunque esto es sólo una broma musical, lleva a la conclusión de que es necesario mantener la apariencia humana en cualquier situación. “Aprenda a controlarse”. Hoy en día, el rondó se escucha a menudo en conciertos y lo interpretan tanto músicos eminentes como principiantes.

Wolfgang Amadeus Mozart. "Rondo al estilo turco"

La melodía que estás a punto de escuchar es amada por muchas personas. Es muy famoso y popular en todo el mundo. El "Rondo turco" de Wolfgang Amadeus Mozart atrae por la belleza de sus melodías, su gracia y su brillantez. En esta obra, W. A. Mozart representó los golpes de un gran tambor turco, desconocido en Europa en ese momento. “Turkish Rondo” (“Rondo Alla turca”) suena a menudo como una pieza independiente, aunque fue escrito como el tercer movimiento de una sonata en La mayor para piano. Los sonidos de “Turkish Rondo” inmediatamente recordaron a los austriacos. el conocido sonido de las marchas militares turcas, Turquía (llamada entonces Imperio Otomano) y Austria (Osterreich, Imperio Oriental, así se traduce). idioma aleman nombre del país) eran antiguos y peores enemigos, y luchó de forma intermitente desde principios del siglo XVI hasta finales del siglo XVIII. Sin embargo, a pesar de una hostilidad tan constante, los austriacos tenían un gran interés por la cultura turca en general y por la música turca en particular. Los austriacos conocieron por primera vez la interpretación de los músicos turcos en 1699, cuando una delegación turca llegó a Viena para celebrar la conclusión de su mandato. el Tratado de Karlowitz, que puso fin a la siguiente guerra austro-turca, que duró 16 años. Seguridad de la delegación imperio Otomano Fueron llevados por jenízaros, infantería turca, y junto con otros jenízaros, la delegación estuvo acompañada por una banda militar de jenízaros, que ofreció varios conciertos públicos para los residentes de Viena. Los austriacos quedaron tan encantados con la música jenízara que muchos músicos austriacos comenzaron a probar. imitar la música turca con instrumentos musicales europeos, e incluso aparecieron orquestas turcas falsas, cuando los austriacos nativos se vestían con ropas de jenízaros y tocaban instrumentos traídos de Turquía. Y ninguna guerra austro-turca posterior pudo destruir el amor de los austriacos por la música turca. Incluso llegó al punto que en 1741 el gobierno austriaco se dirigió al gobierno turco con la solicitud de enviar instrumentos musicales turcos para la orquesta de la corte imperial. Los instrumentos fueron enviados. Esta es una música muy vivaz, alegre, alegre, puedes hacer lo que quieras con ella, pero no es adecuada para caminar en formación y marchar por el patio de armas. Y, de hecho, los jenízaros turcos nunca marcharon en formación al son de la música. Se tocaba música antes, durante y después de la batalla para celebrar la victoria, así como durante los eventos ceremoniales. Wolfgang Amadeus Mozart, cuando escribió el Rondo turco, arregló música militar orquestal tradicional turca para tocar el piano, lo que resultó en escuchar música en. el estilo turco se hizo posible sin montar una enorme orquesta de jenízaros, en cualquier casa donde hubiera un piano de cola o un piano vertical. Aunque también hay arreglos de la “Marcha turca” para interpretación orquestal, el “Rondo turco” tiene una forma de tres partes con coro. El estribillo repetido –el estribillo– da a la forma las características de un rondó. La melodía festiva, alegre y bailable del coro suena con un característico acompañamiento arpegiado, que recuerda a un pequeño redoble de tambores.

Mijaíl Ivánovich Glinka. Rondo Farlafa de la ópera "Ruslan y Lyudmila"

En la ópera "Ruslan y Lyudmila", Mikhail Ivanovich Glinka utiliza la forma rondó para caracterizar a uno de los personajes, Farlaf. En el aria de Farlaf el rasgos de personaje su imagen es cobardía y fanfarronería... Un gritón arrogante,
Invicto por nadie en los festines,
Pero un guerrero modesto entre espadas... Así caracteriza Pushkin a Farlaf. Farlaf, junto con Ruslan, va en busca de Lyudmila. Sin embargo, el “valiente salvador”, viendo el peligro, prefiere huir...
Agazapado por el miedo, murió.
Y, esperando una muerte segura,
Condujo el caballo aún más rápido.
Es como si la liebre tuviera prisa
Tapándote los oídos con miedo,
Sobre montículos, a través de campos, a través de bosques
La gran aria de Farlaf salta está escrita en forma de rondó (de ahí su nombre): el tema principal se escucha varias veces, alternándose con dos episodios. ¿Qué medios expresivos utilizó Glinka para pintar el retrato musical de Farlaf? Por lo general, el fanfarrón habla mucho y rápido, y también el compositor elige un tempo muy rápido para el aria. Satura la parte vocal con técnicas virtuosas, por ejemplo, la repetición frecuente de los mismos sonidos. Esto da la impresión de un golpeteo ahogado. Y el oyente se ríe involuntariamente de semejante "héroe". Después de todo, la expresión del humor es bastante accesible a la música. Preguntas:

¿Qué secciones musicales componen la forma rondó? ¿Qué significa la palabra "rondó"? ¿Cómo se llama el tema principal y recurrente del rondó? ¿Cuál es la naturaleza de la pieza que escuchamos? ¿Cómo aparece Farlaf en la música de M. Glinka? Palabras de referencia: confiado, orgulloso, divertido, estúpido, engreído. ¿Por qué crees que el compositor utilizó la forma rondó para caracterizar a Farlaf?

Datos interesantes sobre la forma musical del rondó. ¿Qué es Rondó?

Forma de concierto vintage

Rondo en la obra de C. F. E. Bach

Rondó de la época clásica.

Rondó de la época clásica.

Pequeño rondó monotemático

Formas de obras musicales.

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