¿En qué estilo pintó Rembrandt? Rembrandt Harmens van Rijn - biografía y pinturas

Y su trabajo, presentado en el artículo, le presentará a uno de los más grandes artistas de todos los tiempos. Rembrandt Harmens van Rijn (vida - 1606-1669) - famoso pintor, grabador y dibujante holandés. Su obra está impregnada del deseo de comprender la esencia de la vida, así como el mundo interior del hombre. Rembrandt estaba interesado en la riqueza de las experiencias espirituales inherentes a las personas. La obra de este artista es la cúspide del arte holandés del siglo XVII. También es considerada una de las páginas más importantes de la cultura artística en todo el mundo. Incluso gente alejada de la pintura conoce sus obras. Rembrandt es un artista asombroso cuya vida y obra sin duda te interesarán.

El legado artístico de Rembrandt

El patrimonio artístico que nos dejó es sumamente diverso. Rembrandt pintó retratos, paisajes, naturalezas muertas y escenas de género. Creó pinturas sobre temas mitológicos, bíblicos e históricos, entre otras obras. Rembrandt es un maestro insuperable del grabado y el dibujo.

La vida en Leiden

La vida de Rembrandt en 1620 estuvo marcada por un breve período de estudio. Luego decidió dedicar su vida por completo al arte. Para ello, estudió primero en Leiden con J. van Swanenburch (hacia 1620-23) y luego en Amsterdam con P. Lastman (en 1623). Entre 1625 y 1631 el artista trabajó en Leiden. Rembrandt creó aquí sus primeras obras.

Cabe señalar que sus obras que datan del período de Leiden se caracterizan por la búsqueda de la independencia creativa del autor, a pesar de que en ellas se nota la influencia de Lastman, así como de representantes del caravaggismo holandés. Un ejemplo es la obra “Traer al templo”, creada alrededor de 1628-29. En "El apóstol Pablo" (hacia 1629-30), así como en "Simeón en el templo" (1631), el artista recurrió por primera vez al claroscuro como medio diseñado para realzar la expresividad emocional y la espiritualidad de las imágenes. Al mismo tiempo, Rembrandt trabajó duro en el retrato. Estudió las expresiones faciales.

1630 años en la vida de Rembrandt

Un acontecimiento importante en la vida del maestro ocurrió en 1632. La biografía del artista Rembrandt estuvo marcada por su traslado a Ámsterdam. Su biografía relacionada con esta época es la siguiente.

En Amsterdam, el artista que nos interesa pronto se casó. Su elegida fue Saskia van Uylenburgh, una rica patricia (su retrato se presenta arriba). Esta mujer era huérfana. Su padre era miembro del consejo de Frisia y burgomaestre de Leeverden. Los dos hermanos de Saskia eran abogados. Entre los familiares de esta mujer se encuentran muchos funcionarios gubernamentales y científicos. Ella trajo un rayo de felicidad al solitario hogar del artista. Rembrandt equipó su casa con muchos objetos raros, por lo que se convirtió en un verdadero museo. El maestro pasó mucho tiempo en tiendas de chatarra, ventas y subastas. Compró grabados y pinturas, baratijas talladas indias y chinas, armas antiguas, estatuas, valiosos cristales y porcelanas. Todas estas cosas sirvieron de fondo para las pinturas que creó. Ellos inspiraron al artista. A Rembrandt le encantaba vestir a su esposa con terciopelo, brocado y seda. La colmó de perlas y diamantes. Su vida se desarrolló con facilidad y alegría, llena de creatividad, trabajo y amor. En general, la década de 1630 es una época de felicidad familiar y de gran éxito artístico.

Retratos de la década de 1630

Todos los retratos que datan de la década de 1630 demuestran la sutileza y el poder de observación de Rembrandt. Esto le acerca a Keyser, van der Helst, Rubens y Van Dijk. Estas pinturas suelen estar realizadas sobre un fondo plano y gris claro. Sus obras suelen tener formato ovalado. Rembrandt creó retratos que sorprenden por su enorme poder plástico. Se consigue simplificando los claroscuros y la armonía del blanco y negro, así como dirigiendo la mirada del modelo. Todas las obras están llenas de dignidad y llaman la atención con su composición y facilidad dinámica. Las pinturas de la época de Amsterdam, en comparación con las de Leiden, tienen una textura más suave. El ritmo de las manos tiene un significado simbólico (el artista deliberadamente no muestra una mano). Esto, así como el giro de la cabeza de la figura, recuerda la variabilidad y fugacidad del Barroco.

Características de algunos retratos de 1630

Al describir la vida y obra de Rembrandt durante este período, uno no puede evitar recurrir a los retratos que creó. Son bastante numerosos. La lección de anatomía del Dr. Tulp de Rembrandt (en la foto de arriba) fue creada en 1632. En él, el autor adoptó un enfoque innovador para resolver el problema del retrato de grupo, dando como resultado una composición relajada. Rembrandt unió a todas las personas representadas en el cuadro en una sola acción. Este trabajo le dio gran fama.

En otros retratos, creados según numerosos encargos, el artista transmitió cuidadosamente ropa, rasgos faciales y joyas. Un ejemplo es la obra “Retrato de un burgrave”, pintada en 1636 por Rembrandt Garmens van Rijn. La vida y obra de cualquier artista están estrechamente interconectadas. Por ejemplo, los retratos de personas cercanas a Rembrandt, así como sus autorretratos (uno de ellos, creado en 1634, se presenta arriba), son más variados y de composición más libre. En ellos, el artista no tuvo miedo de experimentar, luchando por la expresividad psicológica. Aquí también cabe mencionar un autorretrato realizado en 1634 y “Saskia sonriente”, pintado en 1633.

La famosa pintura "La feliz sociedad" o "Autorretrato con Saskia" (la foto de esta obra se presenta arriba) completó la búsqueda de este período. Fue pintado hacia 1635. La vida y obra del artista se revelan de manera especial en esta obra. En él rompe audazmente con los cánones que existían en ese momento. El cuadro destaca por su manera libre de pintar, la vivaz espontaneidad de la composición, así como por la paleta luminosa, amplia y colorida.

Composiciones bíblicas y escenas mitológicas 1630.

En la década de 1630, el artista también creó composiciones bíblicas. Uno de los más famosos es el “Sacrificio de Abraham”. Data del año 1635. Las composiciones bíblicas de esta época están marcadas por la influencia de la pintura barroca italiana. Su impacto se manifiesta en la dinámica de la composición (un tanto forzada), los contrastes de luces y sombras y la nitidez de los ángulos.

En la obra de Rembrandt de esta época, las escenas mitológicas ocupan un lugar especial. En ellos, el artista no siguió las tradiciones y cánones clásicos, desafiándolos audazmente. Una de las obras que se pueden destacar aquí es El rapto de Ganímedes (1635).

"Dánae"

La monumental composición titulada "Danae" encarna plenamente las opiniones estéticas de Rembrandt. En esta obra parece entrar en discusión con los grandes artistas del Renacimiento. La figura desnuda de Dánae representada por Rembrandt no se corresponde con los ideales clásicos. El artista completó esta obra con una espontaneidad realista, muy atrevida para la época. Contrastó la belleza física sensual y ideal de las imágenes creadas por los maestros italianos con la belleza espiritual, así como con la calidez del sentimiento humano.

Otros trabajos

También en la década de 1630, Rembrandt dedicó mucho tiempo a trabajar en las técnicas del grabado y el aguafuerte. Se pueden destacar obras suyas como “La pareja errante” y “El vendedor de veneno para ratas”. El artista también realizó dibujos a lápiz, de estilo generalizado y muy atrevidos.

La obra de Rembrandt en la década de 1640.

Estos años estuvieron marcados por un conflicto entre las obras innovadoras de Rembrandt y las muy limitadas demandas de sus contemporáneos. Este conflicto se manifestó claramente en 1642. Luego, la obra de Rembrandt "La ronda de noche" provocó violentas protestas de los clientes. No aceptaron la idea principal del artista. Rembrandt, en lugar del habitual retrato de grupo, representó una composición heroicamente alegre en la que, ante la alarma, el gremio de tiradores da un paso adelante. Es decir, se podría decir que despertó los recuerdos de los contemporáneos sobre la guerra de liberación librada por el pueblo holandés.

Después de este trabajo, la afluencia de pedidos para Rembrandt disminuyó. Su vida también se vio ensombrecida por la muerte de Saskia. En la década de 1640, la obra del artista perdió su eficacia externa. Las notas principales que antes le caracterizaban también desaparecieron. Rembrandt comienza a pintar escenas tranquilas de género y bíblicas, llenas de intimidad y calidez. En ellos revela los matices más sutiles de experiencias, sentimientos de familia, cercanía espiritual. Entre estas obras cabe destacar " Sagrada Familia" 1645, así como el cuadro "David y Jonatán" (1642).

Tanto en la gráfica como en la pintura de Rembrandt, todo valor mas alto gana muy juego sutil claroscuro. Crea una atmósfera especial: emocionalmente intensa y dramática. Cabe destacar la monumental hoja gráfica de Rembrandt "Cristo curando a los enfermos", así como la "Hoja de los cien florines", creada alrededor de 1642-46. También hay que llamar al paisaje de 1643 “Tres Árboles”, lleno de luz y dinámica del aire.

1650 en las obras de Rembrandt

Esta época estuvo marcada por difíciles pruebas de vida que le sucedieron al artista. Fue en 1650 cuando comenzó el período de su madurez creativa. Rembrandt comienza a recurrir cada vez más al retrato. Retrata a las personas más cercanas a él. Entre estas obras cabe destacar numerosos retratos de Hendrikje Stoffels, la segunda esposa del artista. También es bastante notable el “Retrato de una anciana”, creado en 1654. En 1657, el artista pintó otro de sus obra famosa- "Hijo Tito leyendo".

Imágenes de gente corriente y de gente mayor.

Imágenes la gente común, especialmente las personas mayores, se sienten cada vez más atraídas por el artista. En sus obras son la encarnación de la riqueza espiritual y la sabiduría de la vida. En 1654, Rembrandt creó el "Retrato de la esposa del hermano del artista", y en 1652-1654, el "Retrato de un anciano vestido de rojo" (en la foto de arriba). El pintor comienza a interesarse por las manos y el rostro, que están iluminados por una luz suave. Es como si hubieran sido arrancados de la oscuridad. Los rostros de las figuras se caracterizan por expresiones faciales apenas perceptibles. Esto muestra el complejo movimiento de sus sentimientos y pensamientos. Rembrandt alterna pinceladas claras y empastadas, lo que hace que la superficie del cuadro brille con luces, sombras y matices coloridos.

Situación financiera difícil

En 1656, el artista fue declarado deudor insolvente, por lo que toda su propiedad fue vendida bajo martillo. Rembrandt se vio obligado a trasladarse al barrio judío de Amsterdam. Aquí pasó el resto de su vida en condiciones de hacinamiento extremo.

Obras de Rembrandt Harmensz van Rijn 1660

Las composiciones bíblicas creadas en la década de 1660 resumen las reflexiones de Rembrandt sobre el significado de la vida. En su obra de esta época hay pinturas dedicadas al choque de los principios claros y oscuros en el alma humana. Toda la linea Las obras sobre este tema fueron creadas por Rembrandt Harmens van Rijn, cuya biografía y lista de pinturas nos interesan. Entre tales obras, cabe destacar la obra "Assur, Amán y Esther", creada en 1660; y también "David y Urías", o "La caída de Amán" (1665). Se caracterizan por un estilo de pincelada flexible, colores cálidos e intensos, una textura superficial compleja y un intenso juego de luces y sombras. Todo esto es necesario para que el artista revele complejas experiencias y conflictos emocionales, para afirmar la victoria del bien sobre el mal.

La pintura histórica de Rembrandt titulada La conspiración de Julius Civilis, también conocida como La conspiración de los bátavos, fue creada en 1661. Está imbuido de heroísmo y drama duro.

"El regreso del hijo pródigo"

En el último año de su vida, el artista creó la obra “El regreso del hijo pródigo”. Data de 1668-69. Esta pintura monumental es la principal obra maestra de Rembrandt. Encarna todas las cuestiones morales, estéticas y artísticas características del último período de su obra. El artista con mayor habilidad recrea en este cuadro toda una gama de profundas y complejas sentimientos humanos. Subordina los medios artísticos a revelar la belleza del perdón, la compasión y la comprensión. La culminación de la transición de la tensión de los sentimientos a la resolución exitosa de las pasiones se materializa en gestos sobrios y poses expresivas. En la foto superior podéis ver esta última obra de Rembrandt.

La muerte de Rembrandt, el significado de su obra.

El famoso pintor, grabador y dibujante holandés murió en Amsterdam el 4 de octubre de 1669. Harmens van Rijn Rembrandt, cuyas obras son conocidas y amadas por muchos, tuvo una gran influencia en el desarrollo de la pintura. Esto se nota no sólo en el trabajo de sus alumnos, de los cuales Carel Fabricius fue el que más estuvo cerca de comprender a Rembrandt, sino también en las obras de todos los artistas holandeses, más o menos significativos. Las pinturas de muchos maestros reflejan la influencia de artistas como Rembrandt van Rijn. La obra "El pantano", de Jacob van Ruisdael, es probablemente una de estas obras. Muestra una parte desértica de la zona forestal inundada de agua. Esta imagen tiene un significado simbólico.

Posteriormente, el gran Rembrandt tuvo una fuerte influencia en el desarrollo del arte realista en general. Sus pinturas y biografía siguen siendo de interés para muchas personas. Esto sugiere que su trabajo es realmente bastante valioso. Las obras maestras de Rembrandt, muchas de las cuales se describen en este artículo, todavía inspiran a los artistas.

La obra del brillante Rembrandt Harmens van Rijn es una de las cumbres de la pintura mundial. La extraordinaria amplitud temática, el humanismo más profundo que espiritualiza las obras, la verdadera democracia del arte, la búsqueda constante de lo más expresivo medios artísticos Su habilidad insuperable le dio al artista la oportunidad de encarnar las ideas más profundas y avanzadas de la época. La coloración de las pinturas de Rembrandt del período maduro y tardío, construida sobre una combinación de tonos cálidos y cercanos, que brillan con los matices más finos, ligeros, temblorosos y concentrados, como emitidos por los propios objetos, contribuyen a la extraordinaria emotividad de sus obras. Pero les dan un valor especial los sentimientos elevados y nobles, que dan poesía y belleza sublime a las cosas cotidianas.

El aprendiz y su mentor, 1629-1630, Museo Getty, Los Ángeles, California

Jeremías de luto por la destrucción de Jerusalén, 1630, Rijksmuseum

Minerva, alrededor de 1631, Museo Estatal, Berlín

Rembrandt pintó cuadros, retratos y paisajes históricos, bíblicos, mitológicos y cotidianos; fue uno de los mayores maestros del grabado y el dibujo. Pero no importa en qué técnica trabajó Rembrandt, el centro de su atención siempre fue una persona, con su mundo interior, sus experiencias. Rembrandt encontró a menudo a sus héroes entre los representantes de los pobres holandeses; en ellos reveló los mejores rasgos de carácter y una riqueza espiritual inagotable. El artista llevó su fe en el hombre a lo largo de su vida, a través de adversidades y pruebas. Ella lo ayudó a últimos días crear obras que expresen las mejores aspiraciones del pueblo holandés.

El rapto de Proserpina, hacia 1631, Galería de arte, Dresde

Lección de anatomía del Dr. Nicholas Tulp, 1632, Mauritshuis, La Haya

El rapto de Europa, 1632, Museo Getty, Los Ángeles

Rembrandt Harmens van Rijn nació en 1606 en Leiden, hijo del propietario de un molino. Sus profesores fueron Swannenburch y luego Lastman. A partir de 1625, Rembrandt comenzó a trabajar de forma independiente. Sus primeras obras tienen huellas de la influencia de Lastman y, a veces, de los pintores de Utrecht, seguidores de Caravaggio. Pronto el joven Rembrandt encontró su camino, claramente delineado en retratos realizados principalmente de él mismo y de sus seres queridos. Ya en estas obras, el claroscuro se convirtió para él en uno de los principales medios de expresión artística. Estudió diversas manifestaciones de personajes, expresiones faciales, expresiones faciales y rasgos individuales.

Daniel y el rey persa Ciro ante el ídolo de Baal, 1633, Museo Getty

Diosa de la Guerra Bellona, ​​1633, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York

El constructor naval y su esposa, 1633, Galería de imágenes, Palacio de Buckingham

En 1632, Rembrandt se mudó a Ámsterdam e inmediatamente ganó fama con su cuadro “La lección de anatomía del Dr. Tulp” (1632, La Haya, Mauritshuis). Básicamente, se trata de un gran retrato grupal de médicos que rodean al Dr. Tulpa y escuchan atentamente sus explicaciones sobre un cadáver disecado. Esta construcción de la composición permitió al artista transmitir los rasgos individuales de cada persona retratada y conectarlos en un grupo libre con un estado común de profundo interés, enfatizando la vitalidad de la situación. A diferencia de los retratos grupales de Hals, donde cada uno de los sujetos ocupa una posición igual, en la pintura de Rembrandt todos los personajes están psicológicamente subordinados al Tulpu, cuya figura se destaca por una silueta ancha y un gesto con la mano libre. La luz brillante revela el centro de la composición, contribuye a la impresión de compostura grupal y aumenta la expresión.

El éxito del primer cuadro le reportó al artista muchos encargos y, con ellos, riqueza, que aumentó con su matrimonio con la patricia Saskia van Uylenburgh. Una tras otra, Rembrandt pintó grandes composiciones religiosas, como el “Sacrificio de Abraham” (1635, San Petersburgo, Hermitage), llenas de dinámica y patetismo, y retratos ceremoniales. Le fascinan las imágenes heroicas y dramáticas, las estructuras aparentemente espectaculares, los atuendos exuberantes y elegantes, los contrastes de luces y sombras y los ángulos agudos. Rembrandt suele representar a Saskia y a él mismo, jóvenes, felices y llenos de fuerza. Se trata de “Retrato de Saskia” (hacia 1634, Kassel, Pinacoteca), “Autorretrato” (1634, París, Louvre), “Autorretrato con Saskia de rodillas” (hacia 1636, Dresde, Pinacoteca). Rembrandt trabajó mucho en el campo del grabado, fascinado por motivos de género, retratos, paisajes y creó toda una serie de imágenes de representantes de las clases sociales más bajas.

Judit recibiendo a Holofernes (antes conocida como Artemisia), 1634, Museo del Prado, Madrid

Diana y ninfas se bañan mientras cuentan historias de Acteón y Calisto, 1635, Museo Wasserburg Anholt

Saskia van Uylenburch con traje arcadiano, 1635, National Gallery, Londres

Ya a finales de la década de 1630 se reveló la atracción del artista por las imágenes realistas en las pinturas de gran formato. El tema mitológico del cuadro "Danae" (1636, la mayor parte del cuadro fue reescrito a mediados de la década de 1640, San Petersburgo, Hermitage) adquirió una solución inusualmente vital y convincente. Rechazando el patetismo violento y los efectos externos, Rembrandt buscó la expresividad psicológica. La combinación de colores cálidos se ha enriquecido y la luz ha adquirido un papel aún mayor, impartiendo especial inquietud y entusiasmo al trabajo.

Hombre con traje oriental, 1633, Galería Nacional, Washington

Incredulidad del apóstol Tomás, 1634, Museo Estatal de Bellas Artes Pushkin, Moscú

Sansón amenazando a su suegro, 1635, Museo Estatal, Berlín

A medida que se profundizó la habilidad realista del artista, aumentaron sus desacuerdos con el entorno patricio-burgués que lo rodeaba. En 1642, por orden de una compañía de fusileros, pintó un cuadro de gran tamaño (3,87 X 5,02 m), que, debido al oscurecimiento de los colores con el tiempo, se denominó más tarde “La ronda de noche” (Amsterdam, Rijksmuseum). En lugar de una fiesta tradicional con retratos de sus participantes, donde cada uno fue capturado con todo el cuidado de sus características individuales, como se hacía anteriormente, el artista representó la actuación de fusileros en una campaña. Después de levantar el estandarte, guiados por el capitán, caminan al son del tambor a lo largo del amplio puente cerca del edificio del gremio. Un rayo de luz inusualmente brillante, que ilumina figuras individuales, los rostros de los participantes en la procesión y una niña con un gallo en el cinturón, como si se abriera paso entre las filas de tiradores, enfatiza la sorpresa, la dinámica y la emoción del desfile. imagen. Imágenes de personas valientes, presas de un impulso heroico, se combinan aquí con una imagen generalizada del pueblo holandés, inspirada por la conciencia de unidad y la fe en su propia fuerza. Así, un retrato de grupo adquiere el carácter de una pintura histórica única en la que el artista busca valorar la modernidad. Rembrandt encarna su idea de elevados ideales civiles, de un pueblo que se levanta para luchar por la libertad y la independencia nacional. En los años en que las contradicciones internas que dividían al país eran cada vez más reveladas, el artista hizo un llamado al heroísmo cívico. Rembrandt buscó crear una imagen de la Holanda heroica y glorificar la elevación patriótica de sus ciudadanos. Sin embargo, este plan ya era en gran medida ajeno a sus clientes.

A lo largo de la década de 1640, las diferencias del artista con la sociedad burguesa crecieron. Esto se ve facilitado por acontecimientos difíciles en su vida personal, la muerte de Saskia. Pero fue precisamente en esta época cuando comenzó la época de madurez en la obra de Rembrandt. Las espectaculares escenas dramáticas de sus primeras pinturas están siendo reemplazadas por la poetización de la vida cotidiana: los temas líricos se vuelven predominantes, como "El adiós de David a Jonatán" (1642), "La Sagrada Familia" (1645, ambas pinturas - San Petersburgo, Hermitage), en cuya profundidad de los sentimientos humanos cautiva con una encarnación sorprendentemente sutil y fuerte. Parecería que en escenas sencillas y cotidianas, en gestos y movimientos sobrios y precisamente encontrados, el artista revela toda la complejidad. vida mental, el flujo de pensamientos de los héroes. Traslada la escena del cuadro "La Sagrada Familia" a una casa campesina pobre, donde el padre trabaja como carpintero y la joven madre vigila cuidadosamente el sueño del bebé. Todo aquí está lleno del aliento de la poesía, enfatizando el ambiente de silencio, paz y tranquilidad. Esto se ve facilitado por la suave luz que ilumina los rostros de la madre y el bebé, los tonos más sutiles del cálido color dorado.

Cristo y María Magdalena en la tumba, 1638, Colección Real, Windsor

Agatha Bas contra una ventana, 1641, Galería de Arte, Palacio de Buckingham

Predicador Cornelis Claes Anslo y su esposa Eltje Gerritsdr Schouten, 1641, Museo Berlín-Dahlem

Las imágenes están llenas de un profundo significado interior. obras graficas Rembrandt - dibujos y grabados. El democratismo de su arte se expresa con especial fuerza en el grabado “Cristo curando a los enfermos” (hacia 1649, “Hoja de cien florines”, llamado así debido al alto precio que alcanzó en las subastas). Llama la atención la penetración de las imágenes de los enfermos y los que sufren, los mendigos y los pobres, que se contrastan con los fariseos satisfechos de sí mismos y ricamente vestidos. Auténtico alcance monumental, pintoresquismo, contrastes sutiles y nítidos de claroscuro y riqueza tonal distinguen sus grabados y dibujos a pluma, tanto temáticos como paisajísticos.

Un gran lugar en el período tardío lo ocupan composiciones sencillas pero, en la mayoría de los casos, retratos generacionales de familiares y amigos, en los que el artista se centra en revelar el mundo espiritual de los retratados. Muchas veces le escribe a Hendrikje Stoffels, revelándole su amabilidad y simpatía, nobleza y dignidad, como, por ejemplo, “Hendrickje at the Window” (Berlín, Museo). A menudo el modelo es su hijo Tito, un joven enfermizo y frágil de rostro amable y espiritual. En el retrato con un libro (hacia 1656, Viena, Kunsthistorisches Museum), la imagen parece estar atravesada por los rayos del sol. Entre los más sentidos se encuentran el retrato de Breuning (1652, Kassel, Galería), un joven de cabello dorado y rostro en movimiento, iluminado por una luz interior, y un retrato del retraído y triste Jan Six (1654, Amsterdam, Six colección), como detenido en sus pensamientos, poniéndose un guante.

Autorretrato con gorro de fieltro, 1642, Colección Real, Castillo de Windsor, Londres

El baño de Betsabé, 1643, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York

Retrato de una dama con las manos entrelazadas (¿Hendrickje Stoffels?), alrededor de 1650, Colección Real, Londres

Este tipo de retrato también incluye los últimos autorretratos del artista, que sorprenden por sus características psicológicas multifacéticas y la expresión de los movimientos más esquivos del alma. El “Autorretrato” del Museo de Viena (hacia 1652) está lleno de noble sencillez y majestuosidad; en el “Autorretrato” del Louvre (1660), el artista se representa a sí mismo reflexionando, triste y concentrado. Al mismo tiempo, se pintó el retrato de una anciana, la esposa de su hermano (1654, San Petersburgo, Hermitage), un retrato-biografía que habla de una vida difícil vivida, de días duros que dejaron sus elocuentes huellas en el Rostro arrugado y manos desgastadas de esta mujer que había visto mucho y mujer superviviente. Al concentrar la luz en el rostro y las manos, el artista atrae la atención del espectador hacia ellos, revelando la riqueza espiritual y la dignidad humana de los retratados. Casi ninguno de estos retratos fue encargado: cada año había menos encargos.

La última década es la época más trágica de la vida de Rembrandt; Declarado deudor insolvente, se instala en el barrio más pobre de Ámsterdam, perdiendo a sus mejores amigos y seres queridos. Hendrickje y su hijo Titus mueren. Pero las desgracias que le sucedieron no pudieron detener el desarrollo del genio creativo del artista. Sus obras más profundas y hermosas fueron escritas en esta época. El retrato de grupo de “Sindiki” (los ancianos del taller de sastre, 1662, Amsterdam, Rijksmuseum) completa los logros del artista en este género. Su vitalidad reside en la profundidad y el carácter de cada uno de los retratados, en la naturalidad de la composición, clara y equilibrada, en la parsimonia y precisión de la selección de los detalles, en la armonía de un cromatismo sobrio y al mismo tiempo en la creando una imagen completa de un grupo de personas unidas por los intereses comunes que defienden. El ángulo inusual enfatiza el carácter monumental de la imagen, el significado y la solemnidad de lo que está sucediendo.

Mujer joven probándose aretes, 1657, Hermitage, San Petersburgo

Artajerjes, Amán y Ester, 1660, Museo Estatal Pushkin de Bellas Artes, Moscú

Retrato de familia, 1668, Museo Duque Anton Ulrich, Brunswick

Al período tardío también pertenecen una serie de grandes pinturas temáticas del maestro: “La conspiración de Julius Civilis” (1661, Estocolmo, Museo Nacional), una composición histórica que representa al líder de la tribu bátava, considerados los antepasados ​​​​de los Países Bajos, que en el siglo I levantó al pueblo en rebelión contra Roma, así como pinturas con escenas bíblicas: “Artajerjes, Amán y Ester” (1660, Moscú, Museo Pushkin). Trama parábola bíblica La historia del hijo pródigo había atraído al artista antes; aparece en uno de sus grabados. Pero sólo hacia el final de su vida Rembrandt llegó a su revelación más profunda. La imagen de un hombre cansado y arrepentido que cayó de rodillas ante su padre expresa el trágico camino de aprendizaje de la vida, y la imagen de un padre que perdonó al hijo pródigo encarna la felicidad más elevada al alcance del hombre, el límite de los sentimientos que lo llenan. el corazón. La solución a esta gran composición es asombrosamente sencilla, donde los personajes principales parecen iluminados por una luz interior, donde el gesto de las manos del padre, que ha encontrado de nuevo a su hijo, expresa su infinita bondad, y la figura inclinada de un vagabundo vestido con harapos sucios, aferrado a su padre, expresa todo el poder del arrepentimiento, la tragedia de la búsqueda y las pérdidas. Otros personajes quedan relegados a un segundo plano, en la penumbra, y su compasión y consideración sólo resaltan aún más, como si brillaran con un cálido resplandor, el amor paternal y el perdón que el gran artista holandés dejó a la gente como testamento.

La influencia del arte de Rembrandt fue enorme. Afectó no sólo al trabajo de sus alumnos inmediatos, de los cuales Carel Fabricius fue el que más estuvo cerca de comprender al maestro, sino también al arte de todos los artistas holandeses más o menos importantes. El arte de Rembrandt tuvo un profundo impacto en el desarrollo de todo el arte realista mundial posteriormente. Mientras que el mayor artista holandés, al entrar en conflicto con la sociedad burguesa, murió en la pobreza, otros pintores, habiendo dominado la habilidad de transmitir sinceramente lo que representaban, lograron alcanzar el reconocimiento y la prosperidad durante toda su vida. Concentrando sus esfuerzos en el campo de uno u otro género de pintura, muchos de ellos crearon obras importantes en su campo.

Rembrandt Harmens van Rijn es un artista y grabador de fama mundial. La biografía de Rembrandt es muy interesante, por lo que no es sorprendente que se dedique una cantidad colosal de investigaciones históricas del arte y monografías científicas al estudio de su vida y obra.

primeros años

El artista Rembrandt, cuya biografía se analiza en este artículo, nació en la familia del molinero Harmen Gerrits en 1606. El nombre de su madre era Neltje Willemsdochter van Rijn.

Gracias a que a su padre le iba bien en ese momento, el futuro pintor recibió una educación bastante buena. Lo asignaron a una escuela de latín, pero al joven no le gustaba estudiar allí, por lo que su éxito dejó mucho que desear. Como resultado, el padre cedió a las peticiones de su hijo y le permitió ir a estudiar al taller de arte de Jacob van Swanenburch.

La biografía de Rembrandt es interesante porque su primer mentor no tuvo una gran influencia en Estilo de Arte pintor. La mayor influencia en el aspirante a artista la ejerció su segundo maestro, a quien se mudó después de tres años de trabajo con Svanenbuerch. Este era Peter Lastman, en cuyo alumno se convirtió Rembrandt cuando se mudó a vivir a Ámsterdam.

Creatividad y biografía del artista.

Una breve biografía de Rembrandt van Rijn no nos permite presentar en detalle toda su camino creativo y la vida, pero aún es posible distinguir los puntos principales.

En 1623, el artista regresó a su hogar en la ciudad de Leiden, donde en 1628 ya había adquirido sus propios alumnos. La información sobre sus primeras obras conocidas se remonta a 1627.

Rembrandt Harmensz van Rijn caminó sistemática y diligentemente hacia su éxito creativo: la biografía del talentoso pintor indica que en las primeras etapas de su obra trabajó incansablemente.

En esa época pintó principalmente a su familia y amigos, así como escenas de la vida de su ciudad natal. La Galería de Kassel alberga un retrato de un hombre con una doble cadena de oro alrededor del cuello, que data precisamente de esta época de la vida del artista conocido en todo el mundo como Rembrandt. La biografía y obra de este pintor empezó a llamar la atención ya entonces.

Mudarse a Ámsterdam

En 1631, el joven se mudó a vivir a la capital, la ciudad de Ámsterdam. A partir de ahora, aparece muy raramente en sus tierras natales. La biografía de Rembrandt en esta etapa de su vida y obra está repleta de pruebas de que estaba ganando rápidamente fama y éxito creativo en los círculos ricos de Ámsterdam.

Esta es una etapa muy fructífera en la vida de un artista. Rembrandt, biografia corta que se describe en nuestro artículo, trabajó muy duro, cumpliendo muchos pedidos y al mismo tiempo sin olvidarse de mejorar constantemente. El artista tomó del natural y grabó interesantes personajes que encontró en el barrio judío de la ciudad.

Entonces se pintaron cuadros tan famosos como "Lección de anatomía" (1632), "Retrato de Coppenol" (1631) y muchos otros.

Éxito creativo y financiero

En 1634, Rembrandt se casó con Saskia van Uylenborch, hija de un exitoso abogado. En muchos sentidos, este marcó el momento más exitoso en la vida y obra del artista. Tiene suficiente dinero y muchos pedidos que cumple con gusto.

La biografía de Rembrandt de ese período indica que le encantaba pintar a su esposa, no sólo en retratos, sino que a menudo su imagen se puede ver en otras pinturas del pintor.

Las pinturas más famosas que representan a la joven esposa del artista son:

• "Retrato de una novia de Rembrandt";
• "Retrato de Saskia";
• "Rembrandt con su esposa".

Rembrandt: una breve biografía tras la muerte de su primera esposa

Feliz matrimonio hombre joven no duró mucho. Después de siete años de matrimonio, Saskia murió repentinamente en 1642. Y a partir de ese momento toda la vida del artista comienza a empeorar.

A pesar de que Rembrandt se casó por segunda vez, ya no tuvo la misma felicidad que en su primer matrimonio. Su compañera de vida fue su ex sirvienta Hendrikie Jagers.

Durante ese período de su vida, el artista experimentó graves dificultades económicas, no por falta de trabajo y encargos, sino por su propia adicción a coleccionar obras de arte, en las que gastó mayoría sus ingresos.

Su pasión por el coleccionismo le llevó a que en 1656 fuera declarado deudor incapaz de saldar sus deudas, y en 1658 tuvo que negarse. propia casa en pago de deudas. A partir de ese momento, el artista vivió en un hotel.

Situación que empeora

Hendrikis y el hijo de Rembrandt fundan Titus empresa comercial para la venta de obras de arte. Sin embargo, las cosas todavía no iban muy bien y, tras la muerte de Hendriki en 1661, la situación empeoró aún más. Siete años después, también falleció el hijo que gestionaba los asuntos de la empresa.

La situación financiera del gran artista se está volviendo simplemente terrible, pero la pobreza no acabó con su deseo de crear. Continúa pintando obstinadamente cuadros que, sin embargo, ya no gozan del mismo éxito entre sus contemporáneos que antes, porque los gustos del público han ido cambiando con el paso de los años.

Rembrandt Harmens van Rijn murió en octubre de 1669, completamente solo y en extrema pobreza.

Rembrandt: biografía, pinturas.

A diferencia de los contemporáneos del gran pintor, las generaciones posteriores apreciaron mucho no sólo las primeras obras del artista, sino también las obras y lienzos posteriores de Rembrandt. Hoy el maestro es la personificación de la pintura holandesa y uno de sus representantes más destacados.

El principal leitmotiv de toda su obra puede llamarse realismo, que impregna todas las obras del autor. Incluso al representar temas mitológicos, Rembrandt muestra a los antiguos dioses y diosas griegos disfrazados de habitantes contemporáneos de Holanda. Un ejemplo sorprendente de esto es el cuadro "Danae", que se conserva en el Museo Estatal del Hermitage en San Petersburgo.

Algunas pinturas mitológicas generalmente tienen representaciones semicaricaturizadas de dioses y diosas. Esto se puede ver en la obra "El rapto de Ganímedes" (segundo título, "Ganimedes en las garras de un águila"), conservada en el Museo de Dresde. Aquí las proporciones del cuerpo de Ganímedes no se corresponden con la realidad, lo que no habla del bajo nivel de habilidad del artista, sino de su enfoque caricaturesco deliberado para representar al personaje en el lienzo, ya que en muchas pinturas Rembrandt realiza fácilmente incluso elementos complejos que representan. Partes de la fisiología y anatomía humana.

Los retratos del artista se distinguen generalmente por un realismo y una credibilidad sin precedentes para su época, lo que habla del increíble talento y la capacidad del maestro para transferir al lienzo lo que vio en la vida, así como su conocimiento bastante profundo de la anatomía y fisiología humana.

Para este tipo de trabajos, el artista es muy cuidadoso y preciso con diversos detalles y pequeños accesorios. Esto se ve claramente en las imágenes:

• "Caligrafía" (Museo Estatal del Hermitage);
• "Lección de anatomía" (Mauritshuis);
• "El gremio de tejedores" (Museo de Ámsterdam).

estilo creativo

Lo característico de las obras de Rembrandt es que todo elementos importantes Las pinturas siempre son puestas en primer plano por el artista, independientemente de características compositivas. El artista no siempre se esfuerza por mostrar que las personas u objetos representados son correctos desde el punto de vista de la realidad. Se caracteriza por un hiperbolismo deliberado.

El rasgo principal que recorre todas sus obras es la ausencia colores brillantes y colorido. Además, esto se puede comprobar en las primeras obras del artista. Y esto los distingue mucho de las pinturas de maestros italianos o, por ejemplo, de las obras del pintor flamenco Rubens.

Rembrandt puso el mayor énfasis en el juego de colores con luces y sombras. En esto su habilidad se considera reconocida e insuperable hasta el día de hoy. A veces, el juego de colores en los lienzos del artista es tan fuerte que los expertos en arte todavía discuten sobre la hora del día que se representa en la pintura.

Uno de ejemplos más brillantes Las pinturas de Rembrandt con una paleta tan magnífica son, quizás, su lienzo más famoso, "La ronda de noche", cuyo debate continúa hoy.

"La ronda de noche"

Esta pintura se titula oficialmente "La actuación de la compañía de fusileros del capitán Frans Banning Cock y el teniente Willem van Ruytenburg", pero en todo el mundo se la llama comúnmente simplemente "La ronda de noche".

Sin embargo, debido al amor del artista por el juego de luces y sombras descrito anteriormente, el debate sobre qué hora del día se representa en la imagen, de día o de noche, aún continúa y no hay una respuesta definitiva.

Este lienzo es un símbolo y la obra más llamativa no sólo del propio Rembrandt, sino de toda la escuela de pintura holandesa. Se considera propiedad del Reino de los Países Bajos y del arte mundial en general.

Millones de turistas de todo el mundo vienen cada año a Ámsterdam para visitar el Rijksmuseum y admirar el famoso cuadro. Cada uno ve en él algo diferente, cada uno tiene su propia impresión y opinión sobre este cuadro. Pero lo cierto es que esta magnífica obra del famoso creador no deja indiferente a nadie.

Conclusión

Hoy, el pintor y grabador Rembrandt, cuya breve biografía y obra se describen en este artículo, es el orgullo no solo de su país natal. Es conocido en todo el mundo y sus pinturas son admiradas por los conocedores del arte y la pintura de todo el planeta. Las pinturas del artista se compran fácilmente por cantidades increíbles de dinero en subastas donde se venden pinturas y obras de arte, y el nombre Rembrandt es bien conocido por cualquiera que tenga la más mínima idea sobre arte.

Es difícil sobreestimar la contribución creativa de este gran artista a la pintura y la cultura de su país y del mundo entero. No en vano, hoy la escuela de pintura holandesa se asocia principalmente con el nombre de Rembrandt Harmensz van Rijn.

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Rembrandt Harmens van Rijn nació el 15 de julio de 1606 en Leiden, una de las ciudades holandesas más grandes. Su padre, Harmen, era un molinero rico. El apellido del artista "van Rijn" significa "del Rin", es decir, del río donde se encontraban los molinos familiares. La madre de Rembrandt, Cornelia, era hija de un panadero. Se casaron con Harmen en 1589, cuando ambos tenían 21 años. En la familia nacieron diez hijos, el penúltimo de ellos fue Rembrandt. Los padres del artista vivieron una vida tranquila y llena de trabajo: su padre murió en 1630 y su madre en 1640.

De los hermanos supervivientes de Rembrandt, tres continuaron la tradición familiar y se convirtieron en molineros y panaderos. El futuro artista resultó ser el único hijo de la familia que fue educado en la Escuela Latina de Leiden.

En mayo de 1620, a la edad de 13 años, ingresó en uno de los más antiguos. Instituciones educacionales Europa - Universidad de Leiden. Estudiantes tan jóvenes no sorprendieron a nadie entonces. Sin embargo, los investigadores difieren en sus opiniones sobre los estudios de Rembrandt en la universidad. Quizás ni siquiera lo inició y necesitaba el título de estudiante solo para recibir un aplazamiento del servicio militar. Casi al mismo tiempo, Rembrandt comenzó a dominar el oficio de artista.

La principal fuente de información sobre primeros años Su vida está respaldada por los libros de Johannes Orlers, que en ese momento era alcalde de Leiden. En la segunda edición de su libro de referencia original, publicado en 1641, Orlers incluyó una breve nota biográfica sobre Rembrandt. En este certificado se puede saber que Rembrandt estudió inicialmente con el pintor local Jacob van Swannburch. Pasó tres años en su taller y luego, en 1624, se mudó a Ámsterdam durante seis meses, con el famoso maestro de pintura histórica Pieter Lastman.

En 1625 o 1626 Rembrandt regresó a Leiden. Aquí se hizo amigo de otro pintor prometedor (también alumno de Lastman), Jan Lievens; durante varios años pintaron a menudo juntos y, a veces, sus obras eran tan similares entre sí que parecía casi imposible establecer la autoría de uno de ellos. los artistas, las artistas.

Posteriormente, a finales de 1631 o principios de 1632, Rembrandt se trasladó de Leiden a Ámsterdam (entonces capital de los Países Bajos). Ámsterdam en ese momento se estaba convirtiendo en uno de los mayores centros del comercio mundial. En treinta años (de 1610 a 1640), su población se triplicó: de 50.000 a 150.000 habitantes. Rembrandt decidió que sería mucho más fácil hacer una verdadera carrera artística en una ciudad así.

En Leiden, Rembrandt pintó con mayor frecuencia pinturas narrativas a pequeña escala (eran interpretaciones de temas religiosos, retratos y autorretratos, y escenas características). Ahora comenzó a trabajar por encargo, lo que le permitió alcanzar rápidamente el éxito. Durante casi dos años, el artista vivió en la casa de Hendrik van Uylenburch, un importante comerciante de arte, con quien entabló amistad poco después de mudarse a la capital.

En junio de 1633, Rembrandt se comprometió con primo Eulenbyurch, Saskia y un año después se casó con ella. Los padres de Saskia murieron cuando ella era una niña y dejaron a su hija una herencia sustancial. Rembrandt tampoco era un hombre pobre y ya se había establecido entre los principales artistas holandeses de su tiempo. Pero éste no fue un matrimonio de conveniencia. Rembrandt y Saskia se amaban apasionadamente. Al principio los jóvenes vivieron en la casa de Hendrik van Uylenburch y poco después compraron su propia casa.

Entre 1635 y 1640, Saskia dio a luz a tres hijos, pero todos murieron a las pocas semanas de estar en el mundo. En 1641 dio a luz a su cuarto (y último) hijo. Los padres llamaron a su hijo Tito. Titus sobrevivió, pero la propia Saskia murió pronto. Ella tenía 29 años.

El año de la muerte de Saskia, el artista completó La ronda de noche, su cuadro más grande y famoso. Pero la vida de Rembrandt ya se había resquebrajado. Inmensamente entristecido por la muerte de su amada esposa, el artista no pudo concentrarse en su trabajo habitual (retratos por encargo) y rápidamente perdió clientes ricos.

Pintó con entusiasmo otros lienzos, cuyo tema era la historia bíblica. Durante los períodos difíciles de su vida, Rembrandt siempre encontró consuelo en la religión, pero ahora también tenía que pensar en su pequeño hijo. El artista le contrató una niñera, la viuda Gertje Dirks, que se convirtió en la amante de Rembrandt. Unos años más tarde fue sustituida por otra joven, Hendrikje Stoffels. Al principio también fue la niñera de Titus. Geertje demandó a Rembrandt, acusándolo de violar el pacto matrimonial. Siguieron varios juicios conflictivos, como resultado de los cuales se descubrió que Gertier estaba equivocado y fue internado en una casa correccional durante cinco años. Fue liberada en 1655 y murió al año siguiente. Mientras tanto, Hendrikje dio a luz al hijo de Rembrandt (murió en la infancia) y a su hija Cornelia. Cornelia, la única de todos los hijos de Rembrandt, sobrevivió a su padre.

Mientras tanto, la situación financiera de Rembrandt se deterioraba rápidamente. Pero a pesar de la falta de encargos lucrativos de retratos, Rembrandt siguió gastando mucho dinero en su colección. La colección fue muy interesante. En él se podían encontrar pinturas de maestros italianos del Renacimiento, armas, bustos de emperadores romanos, trajes antiguos, curiosidades orientales, cientos de dibujos y grabados.

En 1652-54, Holanda libró una guerra con Gran Bretaña, que devastó el tesoro estatal. El volumen de negocios comercial cayó, lo que se reflejó en los precios de los productos artísticos. Las cosas se pusieron tan mal que Rembrandt vendió parte de su colección cuidadosamente coleccionada. Pero esto tampoco ayudó; tuvo dificultades para llegar a fin de mes.

En 1656, el artista no pudo pagar a sus acreedores y casi acabó en prisión para deudores. Evitó lo peor utilizando una operación legal llamada "cessio bonorum" (que significa "transferencia de deuda"). Según él, el deudor no sería enviado a prisión si lograba demostrar ante el tribunal que su difícil situación se debía a razones objetivas. Habiendo vendido todas sus propiedades, Rembrandt incluso recibió permiso para quedarse en la casa que antes le había pertenecido. Vivió aquí hasta 1660, cuando el nuevo propietario de la casa revocó este permiso.

A partir de entonces, Rembrandt vivió en modestos apartamentos en zonas pobres de la ciudad. Para entonces Tito ya había crecido. En 1660, Titus y Hendrickje, para proteger al máximo a Rembrandt de las preocupaciones materiales, fundaron una empresa de comercio de arte. Sin embargo, el artista nunca pagó a algunos de sus acreedores hasta el final de su vida.

Esto no le impidió seguir siendo una persona digna y un maestro respetado a los ojos de sus conciudadanos. En 1661-62, recibió dos de sus encargos más importantes y prestigiosos: el cuadro "La conspiración de Julius Civilis" para el nuevo Ayuntamiento de Ámsterdam y el retrato de grupo "Síndicos" para la construcción del gremio de pañeros.

El declive del artista, a pesar del extraordinario crecimiento creativo, fue triste. En 1663 murió su fiel compañero Hendrikje. Posteriormente, Rembrandt enterró a su hijo y luego a su nuera. En el otoño de 1669 llegó su turno: el 4 de octubre, el mayor maestro de la pintura holandesa abandonó silenciosa e imperceptiblemente este mundo.